Fue asi

Referencia: 80001420 Condición del libro: Normal C.S.I.C. Madrid 1971 25 x 17 cm., XV + 347 pag. + XXXVII laminas Tela editorial con sobrecubierta; optimo estado de conservacion. BIOGRAFIAS-MEMORIAS CULTURA. Ejemplares disponibles: 4

José Luis Martín Descalzo fue testigo privilegiado de una época importante: la que vio la celebración del Concilio Vaticano II y el final de una larga etapa política en España. Y la vivió con un estilo vital y literario ágil, brillante, profundo, diáfano y evangélico, desde un tono crítico sano, eclesial y abierto a los nuevos tiempos.. PPC EDITORIAL. España. Año 2008. 1ª edición

Pack de 6 tomos. Tomos 1 al 6, ambos inclusive. Noguer. Barcelona. Año 1972. 1ª edición

Incluye algunas fotografías y dibujos en blanco y negro. Juventud. Barcelona. Año 1962. 1ª edición

ISABEL PANTOJA - ASÍ FUE - SINGLE - 1988 ISABEL PANTOJA - ASÍ FUE - SINGLE - 1988 Todos los Discos de Vinilo Están Perfectamente Revisados. Pertenece a mi Colección Paticular. Tengo muchos más....¡Miles de Discos! PORTADA/COVER: VG+ VINILO/VINYL: VG++ Un Hit en RadioHitsRecords  

JESS & JAMES - NUBES / ASI FUE EN ESPAÑOL 7' VINYL SPANISH BELTER 07-577. M-M (NUEVO) JESS & JAMES - NUBES / ASI FUE EN ESPAÑOL 7' VINYL SPANISH BELTER 07-577. M-M (NUEVO)     ENVIO CERTIFICADO 6€ (CON TODAS LAS GARANTIAS).  (SHIPPING REGISTERED LETTER). PESA MAS DE 100g.    ENVIO COMBINADO: HASTA 2 KG. 9€. SHIPPING TO EUROPE 11€         VALORACIÓN DEL ESTADO DE USO:: - G / GOOD: Muy usado y con bastantes marcas superficiales en el vinilo, que no suelen afectar en exceso al sonido. En la portada suele haber roces, restos de etiquetas adhesivas, marcas ó algunas manchas. - VG / VERY GOOD: Vinilo usado, pero el estado es bueno. Algunas marcas superficiales en el vinilo y en la portada puede haber roces, restos de etiquetas adhesivas, algunas señales o manchas. - VG+: Está usado, pero no hay prácticamente marcas superficiales en el vinilo, rozaduras mínimas de desgastes en la portada. - NM / NEAR MINT: Como nuevo, en muy buenas condiciones, casi perfecto. M/MINT: NUEVO SIN NINGÚN USO O PRECINTADO DE ORIGEN.

ISABEL PANTOJA / ASI FUE / SINGLE 7 PULGADAS ISABEL PANTOJA / ASI FUE / SINGLE 7 PULGADAS SE APRECIA CON MUY POCO USO Aviso importante sobre el estado de los artículos en general: La mayoría de los discos llevan años almacenados y algunas carpetas y fundas pueden oler a viejo, a humedad o presentar señales de moho.  Los lps  suelen proceder de particulares.  Los maxi-singles  de 12 pulgadas casi todos proceden de discotecas. Las fundas de algunos discos suelen estar algo rotas o abiertas y algunos no traen la funda interior. Muchos discos presentan las típicas finas líneas de superficie y la funda suele estar gastada por los cantos y las esquinas o pueden tener pintadas o pegatinas.  Los singles pequeños de 7 pulgadas  suelen tener dobleces en las fundas y estar algo rotas por los cantos y bastante rozadas por los cantos y las esquinas, con pequeñas roturas en los bordes, también es normal que tengan pintadas y alguna pegatina y estén rozadas en superficie por lo que se nota la marca del disco. El disco suele presentar finas líneas de superficie y no tienen funda interior. Muchas fundas pueden presentar suciedad del paso del tiempo. Otros singles están en muy bien estado, pues proceden de emisoras de radio. Sobre todos los discos en general: si hay algún defecto considerable que supere las características señaladas ya se detalla en las características del lote.  La expresión 'uso normal', indica que el disco puede estar sucio y presentar finas líneas de superficie y la funda estar gastada por cantos y esquinas, tener pequeñas roturas y dobleces, además de escritos y pegatinas, aunque la audición del vinilo es buena. Muchos discos están sucios porque llevan mucho  tiempo almacenados y deben ser lavarlos. Todos los discos se revisan antes de ponerlos a la venta y, además, antes de su envío al comprador. De todas formas, si encuentra algún defecto que no haya sido anunciado, por favor, comuníquenoslo, aceptamos devoluciones siempre que estén debidamente justificadas, aunque no abonamos los gastos de envío, sólo el importe del artículo. SI TIENE DUDAS, POR FAVOR, CONSULTE SOBRE EL ESTADO DEL ARTICULO Y LOS GASTOS DE ENVÍO ANTES DE COMPRAR. GRACIAS.

CUENTOS DE ASI FUE - LOS CUENTOS DE ASI FUE - LOS Autor/es: KIPLING, RUDYARD. ED. AKAL: LITERATURAS (2003, TAPA BLANDA, BUEN ESTADO

Referencia: 400131081 Condición del libro: Normal Grupo Unidad Editorial, Madrid, 1998 25 x 31 cm., 130 pag. Tapa blanda, buen estado de cosnervacion.. Ejemplares disponibles: 1

EXTREMODURO. Rock Transgresivo. Primera Maqueta. Año 1989. Manuscrita por Robe Iniesta. EXTREMODURO. Rock Transgresivo. Primera Maqueta. Año 1989. Manuscrita por Robe Iniesta. Ante la dificultad que encontraban para poder grabar un disco, decidieron ir vendiendo papeletas canjeables por una copia de la maqueta cuando esta fuera grabada y editada.​ Llegaron a vender 250 de estos boletos, por lo que se encerraron en los estudios Duplimatic en enero de 1989 y editaron una tirada de mil copias de esta primera maqueta, titulada Rock transgresivo, que distribuyeron por la región extremeña y la enviaron a discográficas, concursos y programas de radio.​ La distribución de esta maqueta empezó a llamar la atención dentro y fuera de su Plasencia natal. Tanto fue así que el programa de televisión Plastic los llamó para grabar dos vídeos con los temas «Extremaydura» y « Jesucristo García », utilizando el audio de la maqueta,​ y además quedaron seleccionados para la final del trofeo nacional Yamaha, en el que quedaron terceros.

Si se trata del heredero, habrá que buscar al mejor para educarlo. Siempre fué así en la corte. Los principios y conocimientos con que se forme al futuro Rey deberán ser sólidos... Corimbo, Editorial S.L.. Barcelona. Año 2003. 1ª edición

Así Fue. Con fotografias en blanco y negro. Círculo de Lectores. Barcelona. Año 1974. 1ª edición

THE BEATLES * DECCA TAPES * LP 180g Vinilo transparente * Nuevo THE BEATLES * DECCA TAPES * LP 180g Vinilo transparente * Nuevo 1961. Brian Epstein, mánager de una joven banda de Liverpool, se desplaza a Londres en busca de una compañía discográfica que quisiera dar una oportunidad a unos, por entonces completamente desconocidos, The Beatles. En su vehemente búsqueda trató con casas del renombre de Columbia o Philips Records, pero ninguna accedió a concederles ni tan siquiera una audición, así que mucho menos pudo lograr alguna firma. Sin embargo, el que quedara tan fascinado por Lennon, McCartney, Harrison y Pete Best (primer baterista antes de la llegada de Ringo Starr) cuando acudió una noche a un club de rock de la calle Mathew Street, conocido como The Cavern, no iba a cejar en su empeño por conseguirles, al menos, la posibilidad de que demostraran su talento. Y, finalmente, los Decca Records decidieron brindarles una pequeña oportunidad(posteriormente se supo que fue el propio Epstein quien había pagado al sello discográfico para que les posibilitara el encuentro). Fue entonces cuando el productor Dick Rowe mandó a su asistente Mike Smith a Liverpool para escuchar al grupo, también impresionado por la fe de Epstein, quien decía que “The Beatles llegarían a ser más grandes que Elvis”. Tras oírlos en directo, pactaron la audición para alrededor de veinte días después, el 1 de enero de 1962. Los Beatles decidieron emprender el viaje el día antes y pasar la noche en Londres, y aunque víspera de año nuevo no es buena fecha para viajar Neil Aspinall, compañero y amigo del colegio de McCartney y Harrison que había sido contratado en julio de ese año por la banda como road manager, puso su furgoneta con destino a la capital inglesa. No obstante, sería ese viaje el primer presagio de que la grabación con Decca no estaba destinada a convertirse en un evento que marcara un antes y un después en la historia de The Beatles, o por lo menos no de la forma que esos cuatro jóvenes británicos tendrían en mente en la parte trasera del auto de Aspinall, quien se confundió de trayecto e hizo que la travesía durara aproximadamente diez horas. Al día siguiente se produjo la famosa actuación marcada por varias circunstancias. En primer lugar la duración, ya que los Beatles sólo pudieron tocar durante alrededor de una hora. Además, las canciones que tocaron fueron las que Brian Epstein había decidido previamente, siendo sólo tres de ellas obra de John y Paul (“Like Dreamers Do”, “Hello Little Girl” y “Love of the Loved”). Sin duda uno de los puntos fuertes de en lo que se convertiría posteriormente el Fab Four era la capacidad compositiva del dúo Lennon-McCartney, un elemento que se mostró parcialmente encadenado en los estudios de Decca. El resto de piezas que tocaron fueron covers de hits célebres del momento, destacando el “Memphis, Tennessee” de Chuck Berry y el “Crying, Waiting, Hoping” de Buddy Holly, o canciones más antiguas con arreglos modernos como el “Bésame Mucho” de la mexicana Consuelo Velázquez. Es indudable que el setlist elegido por el mánager del grupo no fue el más acertado, quizás ciertamente conservador dada la naturaleza de todas las pistas, más calmada y pausada que el rock que solían tocar en The Cavern y que sería el germen de lo que se estaba cocinando. Además, como decimos, en la formación aún se encontraba un Pete Best cuya habilidad con las baquetas era bastante limitada y muy por debajo del nivel de los otros tres Beatles. Durante la audición, producida por Mike Smith, surgieron varias discrepancias, ya que la voz de los de Liverpool no era la de siempre, se mostraba dubitativa, y por ello Epstein sugirió cambios sobre la marcha que no resultaron efectivos. El cuarteto volvió a casa a la espera de la respuesta de los ejecutivos de Decca mientras en el estudio se producía ese mismo día otra sesión con The Tremeloes. Dicha respuesta se demoró varias semanas y fue, para decepción de los Beatles, negativa. La discográfica decidió rechazar al grupo alegando que la utilización de la guitarra eléctrica estaba en decadencia y acabaría en desuso, por lo que los grupos que se basaban en ese sonido no triunfarían.Además, Rowe, quien al final tomó la decisión de elegir a The Tremeloes (sin eludir a Mike Smith que influyó enormemente en la decisión puesto que era él quien había escuchado más a ambas bandas), aconsejó a Epstein que se olvidara de ellos, los dejara de lado y se dedicara a producir discos de otras bandas de su ciudad porque “Los Bealtes no tienen futuro en el negocio de la música”. Decca Records y Dick Rowe dejaron escapar la oportunidad de tener en sus filas a la que se convertiría en la banda más grande del mundo, aunque el propio McCartney declaró que pese a que en su momento su opinión era otra, ahora no le parece disparatado que no les contrataran ya que la calidad de su sesión no fue ni mucho menos extraordinaria. Lennon siempre se mantuvo enojado y rencoroso con Decca, y Harrison, paradójicamente, los ayudó y aconsejó contratar a The Rolling Stones, previniendo así que el sello cometiera un error de tal calibre dos veces. Brian Epstein por su parte no hizo caso a Decca y siguió trabajando con The Beatles para que seis meses después lograran otra audición, en este caso con Parlophone Records, una subsidiaria de EMI, con el resultado que todos sabemos. Los temas tocados no variaron mucho respecto a los que presentaron a Decca, pero no se olvidaron de “Love Me Do”, “P.S. I Love You” y “Ask Me Why”, que formarían parte de su álbum debut de 1963, “Please Please Me”. Allí conocieron a otro hombre que sería clave en su camino, George Martin, quien a la postre produciría toda su discografía excepto su último álbum, “Let It Be”, siendo Phil Spector el encargado de hacerlo. Fue él también quien desaprobó la presencia de Pete Best en el grupo, aunque la llegada de Ringo fue cosa de los propios Beatles. Si bien también han circulado varias teorías al respecto de esto, McCartney explicó que su amistad no podía comprometer su carrera profesional y en definitiva, su forma de vida. Martin supo ver lo que en Decca no hicieron, y aunque la calidad de su música aún estaba lejos de lo que podían esperar de ellos, había potencial, su sonido podía pulirse. Y así comenzó a trabajar con ellos para que poco tiempo después se convirtieran en un fenómeno de masas nacional y posteriormente mundial. Aun teniendo a los Rolling Stones, seguramente Dick Rowe, Mike Smith y toda la casa discográfica Decca estuvieron un buen tiempo dándose de cabezazos contra las paredes por dejar pasar la oportunidad de tener a unos Beatles que tampoco podemos saber si se hubieran convertido en lo que fueron sin George Martin quien, dado su peso en la trayectoria de la banda, se disputa con Epstein el título de ‘El Quinto Beatle’. Este disco único en edición muy limitada recoge todas estas grabaciones. Documento histórico.  El disco está completamente nuevo!. CARA 1: 1. Like Dreamers Do  2. Money  3. Till There Was You  4. Sheik Of Araby  5. To Know Her Is To Love Her  6. Take Good Care Of My Baby  7. Memphis  8. Sure To Fall  CARA 2: 1. Hello Little Girl  2. Three Cool Cats  3. Crying, Waiting, Hoping  4. Love Of The Loved  5. September In The Rain  6. Bésame Mucho  7. Searchin'

Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 JUAN FRANCISCO GARCÍA MUÑOZ. EL TENOR DE LOS REYES.             Juan Francisco García Muñoz nació en Sarrión el 8 de marzo de 1896, unos meses más tarde, el 27 de julio de ese mismo año, moría en Madrid el otro gran tenor turolense, Andrés Marín. Ausencia que algún tiempo después habría de suplir en los escenarios el sarrionense. RESUMEN EN EL HERALDO 21-04-2011 Ver también UN TENOR EN LA CORTE DE ALFONSO XIII             Su intuición musical la heredó de su padre que, aunque ciego, dirigía una rondalla y tocaba el órgano en su pueblo. Por su parte, su madre le transmitió una voz modulada que pronto comenzó a educar en el canto de la jota, así como también una sensibilidad muy especial para la interpretación.             A los once años, ayudado por su tío Elías García, a la sazón párroco de Valbona, se trasladó a Barcelona para estudiar en los Salesianos, donde complementó su formación cultural ordinaria con estudios de música, guitarra y piano. La difícil situación económica de su familia no le permitió continuar con sus estudios de música, por lo que se colocó como tipógrafo, al tiempo que cantaba en los coros de las zarzuelas que se representaban en el Tivoli.             En 1924, animado y ayudado por todos aquellos que vieron en él grandes facultades para el canto (quizá también por los triunfos de Fleta, el inmortal tenor aragonés, en Italia), se trasladó a Milán, “ la Meca del bel canto”, para completar su formación musical. Tras ejercer diversos oficios y estudiar bajo la batuta del maestro Arnaldo Galliera, inició una tan meteórica como exitosa carrera como tenor. Su rotundo triunfo en el Teatro del Casino Municipal de San Remo, con la ópera de Verdi Rigoletto, en febrero de 1925, con más de catorce noches seguidas de representación, le abrió las puertas de importantes escenarios operísticos de diferentes localidades de Italia.             En España su presentación tuvo lugar en la primavera de 1925, en el Teatro Tívoli de Barcelona, interpretando al protagonista de la ópera Manón, acompañado por la gran soprano francesa Genoveva Vix.             Tras su éxito en la ciudad Condal, parte hacia Egipto con la compañía de Pietro Mascagni, donde  tras triunfar en El Cairo y Port Said, fue abandonado en extrañas circunstancias, protagonizando un curioso episodio con conflicto diplomático incluido con los aviadores españoles, Esteve, Loriga y Gallarza, que en esos momentos se encontraban realizando la gesta de cubrir la distancia entre Madrid y Manila  y habían hecho escala en El Cairo.             De vuelta en España, retomó su carrera artística y para ello marcha de nuevo a Italia para continuar con su formación como cantante y seguir ampliando su repertorio operístico. Allí regresó a los escenarios y cantó junto a la gran diva Toti Dal Monte, en  los teatros más emblemáticos del país, como por ejemplo en el de La Fenice, de Venecia.             En 1927 debutó en Madrid en el teatro de la Zarzuela con El barbero de Sevilla, acompañando a la mejor mezzosoprano de la época, Conchita Supervía. En el aria del primer acto se acompañaba él mismo a la guitarra y siempre el público le reclamaba uno o varios bises de la misma (desde pequeño tocaba magníficamente la guitarra).             Su carácter sencillo y bondadoso le llevó a compaginar escenarios, desde los más elevados hasta los más humildes. Así, tan pronto cantaba en el Palacio Real en la cena de los Embajadores ante Alfonso XIII y Victoria Eugenia (lo hizo en múltiples ocasiones, por eso se le denominó como “el tenor de los Reyes), que interpretaba unos motetes en la Real Capilla el día en que tomó la birreta el cardenal de Toledo, cantaba el Himno de la Exposición Universal de Sevilla, actuaba ante más de 16.000 espectadores en la Plaza del Pueblo Español de Barcelona o se emocionaba ante los heridos de la guerra contra Marruecos en el Hospital de Carabanchel, a los que entregaba lo mejor de sí mismo con intervenciones más populares, en especial jotas, de las que fue un interprete muy especial, un verdadero maestro.             Los días 4 y 5 de mayo de 1929, convertido ya en un verdadero divo y en loor de multitudes, bajo la dirección del maestro Arturo Saco del Valle, se presentó en el teatro Marín de Teruel con Manon y El barbero de Sevilla, en sendas funciones a beneficio de los niños tuberculosos de Sarrión y Teruel. El lleno fue total y el éxito absoluto.             Hacia principios de los años treinta ya casi no se representa ópera en España, por lo que se dedicó sobre todo a la zarzuela, género en el que también alcanzó interpretaciones memorables, estrenando algunas de las más importantes del momento, es el caso de La moza vieja, del maestro Luna, Romero y Fernández Shaw, en cuyo estreno, en 1931, en el teatro Calderón, estuvo flanqueado por Celica Pérez Carpio, Flora Pereira y Aníbal Vela, o El ama, de Luis Fernández Ardavín y Jacinto Guerrero. Aunque quizá la zarzuela con la que más éxitos obtuvo fue con La Picarona, de Francisco Alonso.               Cansado de las representaciones diarias que exigía el mundo de la zarzuela, se orientó hacia los conciertos (en plazas de toros y teatros de las principales capitales españolas) en los que interpretaba un variado repertorio de romanzas de ópera, fragmentos de zarzuelas, canciones italianas y españolas (algunas de las cuales eran escritas por él mismo, pues siempre fue un inspirado letrista) o jotas, con las que siempre cerraba sus actuaciones y regalaba al público con generosidad. En esos conciertos le acompañaba un pianista joven, Juan Quintero, al que había contratado para actuar en una ocasión en Zaragoza. El trabajo en común fue tejiendo una profunda amistad y una colaboración artística importante que alcanzó un éxito sin precedentes en su momento con la popular canción “Morucha”, escrita por Juan García y música de su amigo.             En 1934 decidió formar una pequeña orquesta, integrada por doce profesores, para que le acompañaran en sus canciones. Así nació la agrupación “Juan García y su orquesta”, con la que recorrió España y Portugal.             En 1935 inició una corta carrera cinematográfica de la mano de los destacados realizadores Edgar Neville y Benito Perojo, con los que grabó varios cortos y compuso algunas piezas musicales para sus películas.               A comienzos de 1936, su espectáculo fue contratado por Radio Belgrano, de Buenos Aires, hacia donde embarcó. Nunca más volvió a pisar la tierra de España. Pero su patria siempre le acompañaba allá donde fuese, de manera que en todas sus actuaciones cantaba unas jotas, en especial títulos de fuerte sabor popular como la “Sarrionera”, “La regoldevera”, “No te subas a la parra”, “Despacico y callandico” o “La fematera”, de la que por cierto llegó a vender más de 500.000 copias de su grabación, un verdadero éxito para su época.             Pese a dejar más de doscientas grabaciones, falleció en el olvido en la capital argentina el 14 de agosto de 1969 de un infarto. Fuente: Unión Musical de Carrión

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JUDGE DREAD * 2 CD * The Legendary Judge Dread * PRECINTADO!! Reggae Ska JUDGE DREAD * 2 CD * The Legendary Judge Dread * PRECINTADO!! Reggae Ska Alex Hughe mas conocido como Judge Dread,es unos de los grandes del ska reggae de Inglaterra de todos los tiempos. A principios de los 70's fue cuando empezo todo su exito Gracias al single "Big Sitx" ya que gracias a el llego al numero 11 de los 50 exitos màs grandes de los años 1972-1973. un dato curioso de este artista fue de su record guiness,ya que el es el artista que tiene canciones mas censuradas de todos los tiempos. Fue el primer artista Blanco en tener exito ska reggae en Jamaica,Murio cantando en los escenarios en el teatro Penny Canterbury el 13 de marzo de 1998. Alex Hughes, mejor conocido como Judge Dread, fue y aun sigue siendo uno de los mas importantes cantantes de Ska y Reggae de todos los tiempos. Judge Dread fué, es y seguirá siendo una gran parte de la inspiración de los cantantes y bandas de reggae-ska en la actualidad. Judge Dread nació en Kent, Inglaterra en el año de 1945. Hay personas que fueron cercanas a Dread que dicen que cuando el era un niño de 7 u 8 años era muy amigable con todas las personas, si tu pasabas por la calle cercas de el, el te decia siempre hello ! Alright, boy !. Años mas tarde después de dejar la escuela, Dread se alojó con una familia Jamaicana, recordemos que el creció en Londres cuando llegó la primera ola de inmigrantes de Jamaica, y tan solo ese fue el primer paso para que el haya quedado enamorado de la música jamaicana para toda su vida. En los años 60´s Judge Dread fue una figura familiar en los West Indians Club´s de Londres, ya que trabajaba de Bouncer (Guarura, Seguridad, Saca Borrachos, por decirlo asi). De cararter alegre, Judge Dread conocio a Prince Búster y a Derrick Morgan “Mr. Skinhead Reggae” cuando estos visitaron Inglaterra en aquellos años en lo que dominaba era el Skinhead Reggae. Dread tambien fue Guardespaldas de los Rolling Stones y también trabajo como cobrador de deudas para Entretenimientos Comerciales y Trojan Records. Para mencionar una anécdota cuando el trabajó para entretenimientos comerciales el fue quien se encargó de arreglar los tours de los conciertos de Desmond Dekker y The Pioneers en sus giras por UK. Porque se puso Alex Hughes el nombre artístico “Judge Dread” ? Se puso ese nombre por el carácter de Prince Búster en la era de los Rude Boys. En 1969 Prince Búster tuvo un éxito mas con el sencillo “Big 5” una gran obscena canción basada en la versión de Brook Benton’s Rainy Night In Georgia, vendiendo miles de discos con su gran éxito.Pero en los principios de los 70´s Prince Búster empezó a caer en las listas de popularidad hasta llegar al grado de casi no vender discos. Judge Dread aprovecho ese momento para salir al mercado con su primer éxito: “Big Sixt”, con este disco Alex Hughes se reinvento el mismo como el hombre mas rudo del mundo, Judge Dread. La gente se sorprendio cuando observaron como un rubio ingles muy alto y de mucha barba estaba cantando Reggae y Ska. Con sus canciones de fuerte contenido, la sociedad británica lo criticaba mucho por las letras de sus canciones, pero las canciones claramente hablaban de la realidad de la injusticia y desigualdad y de la working class (clase obrera). Con su éxito “Big Sixt” llego al numero 11 en el top 50 de la lista de éxitos británicos entre los años de 1972-1973 por 27 semanas. Para entonces Judge Dread ya era una estrella subterránea y cuando el se presentaba a dar pequeños conciertos en los pubs era un hecho que el pub estaría muy lleno. También “Big Sixt” fue un éxito en Jamaica. Cuando se acabo el éxito de “Big Sixt”, el ya tenia otra sorpresa: el Big Seven. Para muchos este último fue mejor que el big sixt. Pero de cualquier forma ambas canciones merecen mucho respeto por la gran calidad. El siguiente éxito de Dread fue en el mes de abril del año de 1973 con “Big Eight”. Esta canción llego a estar tambien en el numero 11 de la exigente lista de exitos de Inglaterra. Entonces Judge Dread cambio un poco el estilo del reggae al de estas canciones para crear otro de sus grandes éxitos: “Je t´aime” llegando este al puesto numero 9 en Julio de 1975. En ese mismo año Dread creo otros 2 exitos que estuvieron en los primeros 20 lugares de la prestigiada lista británica, el primero fue “Big 10” y el segundo “Chritsmas in Dreadland” igualada con “Come Outside”. Ya para entonces siguieron muchos éxitos mas por nombrar tan solo algunos como este gran éxito que a mi en lo particular es la canción que mas me gusta de todo su repertorio: “The Winkle Man” (Un Reggae muy a su estilo bien suave) llegando al lugar numero 35 en Mayo de 1976, “Y Viva Suspenders” (numero 27, en Agosto de 1976). Los Nombres de sus discos mas famosos fueron Working Class ‘ero,” (1974), “Bedtime Stories,” (1975), “Last of the Skinheads” (1976), el best seller “40 Big Ones” (1980), and “Not Guilty” (1984). Como olvidarlos ! El legendario exitazo “Bring Back the Skins” y “Jamaica Jerk Off”. Ya en los siguientes años y hasta el día de su muerte, Judge Dread siguió dando conciertos con muchas bandas importantes de la segunda y tercera ola del Ska, por mencionar a la banda de Alemania Dr. Ring-Ding & The Senior AllStars. Un dato curioso de Judge Dread es sobre los records de Guiness. El es el artista que tiene mas canciones censuradas de todos los tiempos. Que cosas no ? Y es que sus canciones son tan divertidas, esas letras en las que se burla de muchos tipos de sociedad. Y Cabe mencionar también que el tenia solo músicos jamaicanos en su banda. En los años 70´s tan solo Bob Marley & The Wailers fue el unico artista en su genero que supero a Dread en tener mas éxitos en la exigente lista de hits Británica y en la venta de Discos. Su gran amistad que hizo con Desmond Dekker se debió a que el trabajó con él en las giras que hizo a Inglaterra. Hay un gran testimonio de que cuando Desmond Dekker llego al Numero 1 (si ! al numero uno!!) en el cada vez mas difícil chart Ingles con su inigualable “Israelites”, Judge Dread lo llevo a tocar en un Bar de Snodland llamado Savoy snooker club. Además tocaron juntos varios “Palomasos” de los exitos de Dekker y otros artistas. Que gran recuerdo se llevaron todos los asistentes a ese bar en ese día. Muchos años después, para ser mas exactos el día Viernes 13 de Marzo de 1998 dando una presentación en el teatro Thurday Night en la ciudad de Canterbury, Inglaterra, Judge Dread falleció de un un ataque del corazón. Al terminar la tercera canción, “Down on the Beach”, el cantante cayó al suelo. La gente creía que estaba de broma, porque siempre hacía cosas imprevisibles y espontaneas, pero en realidad había sufrido un ataque al corazón. Ya anteriormente había sido tratado de problemas cardiacos y diabetes, 18 meses atrás. Cuando llegó una ambulancia le metieron en ella, pero debido a un problema eléctrico esta no arrancaba. Entonces parte del público empezó a empujarla, intentando ponerla en marcha, pero no hubo manera. Para rematar la situación, alguién que vió a tantos punks empujando la ambulancia pensó que la estaban intentando robar y llamó a la policía. El resultado fue un completo enredo. Para cuando llegó una segunda ambulancia y le trasladaron al hospital, fue demasiado tarde. Desde luego, el final es digno de él: durante un concierto y totalmente caótico, parece sacado de una comedia de humor negro. Seguramente se habrá reido mucho, dondequiera que esté...   Este álbum recoge en 2 discos sus dos grandes recopilatoris vol. 1 y vol 2 que aparecieron únicamente en vinilo.  Sin duda un disco imprescindible. Precintado de fábrica!! Disc: 1 1. Je T'aime 2. Ska Fever 3. Hello Baby 4. Up With The Cock 5. Phoenix City 6. Bring Back The Skins 7. The Winkle Man 8. Big 6 9. Rudy (A Message To You) 10. Jamaica Jerk Off 11. Dread Rock 12. Rub A Dub 13. Lovers Rock 14. Big 9 Disc: 2 1. Big Eight 2. Fatty Dread 3. Reggae And Ska 4. Will I What 5. Al Capone 6. Y Viv A Suspenders 7. Dreads Law 8. All In The Mind 9. Deception 10. Come Outside 11. Big One 12. Take It Easy 13. Molly 14. Mary Ann

ten years after,alvin lee / free fall 1980, Blues Rock, AL KOOPER, org edt spain, todo impecable !! ten years after,alvin lee / free fall 1980, Blues Rock, AL KOOPER, org edt spain, todo impecable !! es toda una figura y ya podemos decir que incombustible de verdad,he tenido la suerte de verlo tanto en solitario como con su banda ten years after al completo en un concierto imborrable en mi memoria que fue su 1º reunion celebrado en en londres EN 1989..aqui le tenemos mucho cariño..!! el albun toda una belleza..lleno de composiones memorables, su guitarra suena profunda.......con La participacion del gran al kooper, RARA 1ª ORG EDT ESPAÑOLA, PRECIOSA CARPETA LAMINADA, SU ESTADO ES PRACTICAMENTE IMPECABLE ! hablar de Alvin Lee no es empresa fácil. Máxime cuando hablamos de una de las figuras más influyentes y, a la par, menos conocidas de la historia del Rock y el Blues Para hablar de Graham Barnes (nombre real de Mr. Lee) nos tenemos que remontar a los barrios de clase media del Nottingham de 1960. Alvin, fuertemente influenciado por unos padres amantes del Blues y el Jazz, comienza a tocar la guitarra a los 14 años. Cuando sólo tenía 16 años formó su primera banda, The Jaybirds, la cual cambió de nombre varias veces hasta convertirse en Ten Years After. La banda despegó demasiado pronto. Tuvo un éxito efímero fuera de Reino Unido, haciendo algunos shows en Alemania. Esto supuso una apertura de miras para Lee que consolidó el estilo propio de lo que, más tarde, sería su propia visión del Rock Psicodélico que hacían Ten Years After: un Blues demasiado salvaje para ser ortodoxo y un Rock demasiado extraño para ponerlos en la misma lista que a The Beatles. Esta visión particular de Ten Years After los catapultó como banda de culto incluso antes de ser una banda conocida en todo el país. Ten Years After obtuvo un contrato discográfico y comenzaron a tocar en varios festivales de cierto renombre. Seguían siendo desconocidos para la gran mayoría y casi siempre eran una banda de soporte, pero la calidad y la fiereza que desprendían dejaba huella poco a poco en los espectadores. Su primer disco, homónimo, tuvo un éxito modesto en Inglaterra. No obstante en Estados Unidos el álbum fue una pequeña sorpresa y el afamado promotor Bill Graham lo dispuso todo para prepararles varias giras (que al final se convirtieron en 28 en solo 7 años). En propias palabras de Alvin Lee: "éramos una gramola itinerante, tocábamos noche tras noche, ciudad tras ciudad. Tocábamos en la misma ciudad varias veces al año... era una locura". Se podría presumir que Ten Years After, con esa reputación ya serían una banda de renombre a esas alturas. Pero el mercado americano era muy diferente al inglés. Lo que un día estaba de moda, al día siguiente era olvidado por completo, y la promoción del grupo no era su fuerte, lo suyo era tocar en directo. Como ha pasado muchas veces a lo largo de la historia del rock, todos los grandes grupos tienen un instante glorioso que los hace volar del anonimato al estrellato en un lance de, llamémosle por esta vez, suerte. El bautizo de fuego de Ten Years After fue a priori "una actuación de soporte en un festival hippie modesto que se estaba fraguando en un rancho de Bethel (New York), donde debido a lo precario del cartel y el presupuesto sólo tocarían unos 15 minutos". Cuando a Alvin Lee le pasaron una de las cuartillas de propaganda con información del festival pudo leer bien claro y en alto "Woodstock. 3 Days of Peace & Music...". El resto, amigos, es historia. La actuación de Ten Years After, y en particular de Alvin Lee fue inmortalizada en el mítico film "Woodstock", y fue recordada como una de las más salvajes junto a las de Hendrix y The Who. A partir de ese momento, el olimpo de los dioses del Rock Psicodélico esperaba a Ten Years After. En total, llegaron a grabar diez albumes y es reconocida como una de las bandas más influyentes de todos los tiempos, pese a separarse en 1973. Tras la separación, Alvin Lee se dedicó a colaborar con otros artistas y a sacar su propio material en solitario. Tocando todos los palos desde el Country al Jazz, fue siempre un guitarrista en la sombra de su propio éxito. Quizás el no encasillarse en un solo estilo le hizo no tener suficiente repercusión en sus trabajos. A lo largo de los años ha grabado con gente tan dispar como Mick Taylor, George Harrison o John Mayall. Su estilo como guitarrista se puede catalogar de Blues Rock de tintes progresistas. Muchas de sus frases son recordadas como cánones actuales dentro del Blues Rock. Algunos grandes artistas como Joe Bonamassa, John Mayer, Richie Sambora, Andy Timmons o Derek Trucks le han nombrado como una de sus principales influencias. A título personal quiero recomendar un recopilatorio, Pure Blues (Capitol, 1995), que presenta lo mejor de Alvin Lee tanto en solitario como junto a Ten Years After. Para finalizar, qué mejor que escuchar la que, en mi humilde opinión, es su mejor y más desgarradora obra, así como una de las baladas más profundas que se han escrito jamás: The Bluest Blues. - Alvin Lee / Guitar, Vocals - Tom Compton / Percussion, Drums - Steve Gould / Guitar, Vocals - Derek Austin / Keyboards - Mickey Feat / Bass, Vocals - Al Kooper / Organ - Raphael Ravenscroft / Saxophone - Peter Thoms / TromboneTrack List: 01. I Don't Wanna Stop - 4:09 02. Take The Money - 4:26 03. One Lonely Hour - 4:47 04. Heartache - 3:10 05. Stealin' - 3:16 06. Ridin' Truckin' - 3:32 07. No More Lonely Nights - 4:26 08. City Lights - 4:00 09. Sooner Or Later - 3:31 10. Dustbin' City - 2:40

marshall tucker band / Where we all belong 74 (DOBLE LP / ORIG EDIT USA / C DANIELS,E BISHOP !! EXC marshall tucker band / Where we all belong 74 (DOBLE LP / ORIG EDIT USA / C DANIELS,E BISHOP !! EXC ** PODEMOS ENVIAR TU COMPRA HASTA TU DOMICILIO DEL MODO MAS ECONOMICO*   DOBLE LP !!!! !! 25 AÑOS VENDIENDO MATERIAL IMPORTADO ORIGINAL PARA COLECCIONISTAS DE TODO EL MUNDO !!!! * TE VENDEMOS MARCOS DE ALTA CALIDAD PARA ENMARCAR TUS DISCOS, PIDENOS INFORMACION AQUI UNO DE LOS MAS GRANDES ALBUNES DE SUREÑO DE TODOS LOS TIEMPOS..CON INVITADOS DE LUJO..COMO.. ELVIN BISHOP, CHARLIE DANIELS, PAUL HORNSBY,..ETC.. ATENCION A LA BESTIAL VERSION DEL CLASICO.. Everyday (I Have The Blues) SUREÑO GENUINO Y DEL BUENO..!!!!!! IMPRESCINDIBLE.. SENSACIONAL ALBUN,  EDICION CON LA PRECIOSA DOBLE CARPETA TEXTURADA Y CONTENIENDO LOS 2 BONITOS ENCARTES INTERIORES DEL LABEL CAPRICORN...se puede pedir mas ???, gran copia !!!! TODO EN ESTADO EXC, UNA DE NUESTRAS MEJORES COPIAS HASTA LA FECHA !! si esta buscando este albun en su mejor edic, ya la encontraste ! La Marshall Tucker, fue la banda que cerró el triángulo de oro dentro del rock sureño junto a las otras dos más representativas del género, The Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd, teniendo cada una de estas formaciones caminos y orientaciones diferentes, pero tomando como base el sonido y sentimiento sureño como raíz de su música. El distintivo esencial de la Marshall y el sello único e inconfundible que marcó su obra fue el Country-Rock y la cultura "cowboy ", adoptando cierta actitud derivada del "salvaje oeste" en su música, llevada a cabo con gran acierto por los hermanos Toy y Tommy Caldwell. Nunca renunciaron a otros estilos como el rythm & blues, rock, blues o incluso el jazz, dada las aportaciones de unos magníficos, extraordinarios e incansables músicos que eran pura energía, sobre todo en sus memorables directos. Realizaban actuaciones increíbles, llegando incluso a ser delirantes para un público súper entregado. "Where We All Belong" doble álbum y tercero en su discografía, fue publicado en 1975 y se compone de una parte grabada en estudio y otra en directo, además de suponer un punto crucial en su carrera. Comienzan con el clásico "This Ol'Cowboy", un bello tema dedicado al héroe de Toy Caldwell, el actor y mito eterno del Western, John Wayne. Como dato anecdótico, posteriormente Caldwell le compraría el caballo que utilizó en 1969 en la oscarizada "True Grit" (Valor de ley). De claro estilo country-rock, con el uso de instrumentos propios del género como el banjo, Steel- guitar, la flauta o el violín, nos encontramos temas como "Low Down Ways", o una auténtica balada romántica "In My Own Way". El resto de temas de esta parte fueron grabados en los estudios Capricorn, todos ellos soberbios y podemos destacar "Where A Country Boy Legends", que contó con la ayuda de un guitarrista excepcional llamado Elvin Bishop, que en años anteriores participó con los Allman Brothers y en esta ocasión a la slide-guitar. En la parte de estudio, la Marshall estuvo formada por Toy Caldwell a las guitarras, su hermano Tommy Caldwell (bajo), George McCorkle (guitarra y banjo), Jerry Eubanks (flauta y saxo), Doug Gray (voz) y Paul Riddle a la batería. Estos eran los integrantes originales de la banda, a la que se incorporaron un buen número de músicos de reputado prestigio como fue el caso del legendario Charlie Daniels al violín, Paul Hornsby al piano, Johnny Vernazza a la slide y entre otros, al anteriormente mencionado Elvin Bishop. La segunda parte del álbum fue capturada el 11 de julio de 1974 en el Uhlein Hall Arts Center de Milwaukee, con la banda original y la inestimable colaboración de Charlie Daniels. Abren con la incendiaria y explosiva "Ramblin'", un tema rápido con un Toy imparable a la guitarra eléctrica, equiparándose a leyendas como Duane Allman. En "24 Hours At A Time", se puede disfrutar de uno de los temas más recordados y de una formación sobresaliente, ejecutando una colosal jam que se convertiría en su himno oficial. A continuación desgranando el clásico de B.B King "Everyday (I Have The Blues)", una Marshall pletórica nos obsequia con otro espléndido tema. Y para finalizar "Take The Higway", otro de sus clásicos. Unidos bajo un mismo sentimiento, "The Marshall Tucker Band" originarios de Spartanburg en Carolina del Sur nos dejan uno de sus álbumes más célebres, siendo uno de los mejores exponentes dentro del rock-sureño y narrándonos sus epopeyas por el "viejo oeste" como si fuésemos viajando en una antigua diligencia... Esta banda maravillosa formada en 1971 en Spartanburg, Carolina del Sur, por los hermanos Caldwell, Toy a la guitarra y Tommy al bajo, el cantante Doug Gray, el guitarrista George McCorkle, el batería Paul Riddle, así como Jerry Eubanks a las flautas, combinaba a la perfección el Rock, con el country, con el blues y con el Jazz. La banda adquirió un notable reconocimiento en los años 70 (época de apogeo del Rock Sureño), pero la muerte de Tommy Caldwell en accidente de coche en 1980, y el abandono de Toy Caldwell en 1982 para iniciar una carrera en solitario llevó a que la banda se disolviera en 1983. A finales de los 80 la banda se reformó, liderada por Gray y Eubanks, y con diversas formaciones y con muchos cambios, la banda sigue hoy en día, aunque lejos del esplendor de los años 70.- Yo reconozco que le tengo un cariño especial a esta disco, que está compuesto en parte por material de estudio, y en parte por grabaciones en directo. Destacan, además de la mencionada "How can i slow down", temas como "This Ol' Cowboy", "Low down ways", o la brutal "Ramblin'". Discazo de una banda formidable, que debeis escuchar si no conoceis, porque realmente eran fantásticos   Track Listing 1. This 'Ol Cowboy 2. Low Down Ways 3. In My Own Way 4. How Can I Slow Down 5. Where A Country Boy Belongs 6. Now She's Gone 7. Try One More Time 8. Ramblin (Live) 9. 24 Hours At A Time (Live) 10. Everyday (I Have The Blues) (Live) 11. Take The Highway (Live)     Track Listing 1. This 'Ol Cowboy 2. Low Down Ways 3. In My Own Way 4. How Can I Slow Down 5. Where A Country Boy Belongs 6. Now She's Gone 7. Try One More Time 8. Ramblin (Live) 9. 24 Hours At A Time (Live) 10. Everyday (I Have The Blues) (Live) 11. Take The Highway (Live)  

CARACOL COL COL. RUIZ SALVADOR, ANTONIO. BUBOK PUBLISHING. 2 ª ED 2010 NUEVO CARACOL COL COL. RUIZ SALVADOR, ANTONIO. BUBOK PUBLISHING. 2 ª ED 2010 NUEVO   Título: C aracol Col Col. Autores: R uiz Salvador, Antonio. Editorial: Bubok Publishing S.L. Idioma: Castellano Idioma publicación: Castellano. Fecha impresión:  2010 Edición: 2  ª ed,   2010 Encuadernación: Rustica. Tapa: Blanda ilustrad a. Paginas: 5 62 Medidas A, L, A: 1 5 x 21 x 3 cm Peso: 720 gr. ISBN: 978-84-9916-148-8 Observaciones: Nuevo, ver fotos. Estado del Libro: Excelente ejemplar, raro.   Sinopsis: Una vida de proyectos de investigación, ensayos, trabajos y becas que leyendo su novela, no sé cómo lo aguantaron. Seguro que nunca fue el profesor petardo que presume ni fue realmente una embolia la causante de las ganas de escribir…Quizás, sólo de la urgencia, porque no hay quien se crea eso de que una embolia le da a uno las ganas, la fuerza, la sabiduría y el humor para escribir una novela. De ser así, para sí quisieran algunos, un pequeño derrame... Así que Embolias aparte, “Caracol col col” es una novela de diálogos trepidantes que tiene la virtud de ser tantas en una, que la abras por donde la abras, te encuentra. Un recorrido por la historia de los Ruiz Salvador que denota que uno sigue siendo de su familia, por muchos kilómetros que se  empeñen en remediarlo. Y quizás a los que vivimos fuera de España, estos sentimientos afilados que discurren por la novela, se nos claven aún más profundamente. Seguramente, en la extensa y variada historia de la familia Ruiz Salvador, muchos podemos encontrar sombras de momentos vividos y personajes de los que apropiarnos. A la embolia pues, le debemos exclusivamente las gracias por la prisa de contarlo todo. A la habilidad del autor sin embargo, la velocidad, la maestría y el poder de identificación con el lector; el resto es obra de su esposa Carole. Antonio Ruiz Salvador entremezcla también en su novela, pasajes de su vida cotidiana en un rincón de Canadá que él ha convertido en “el caserío de Blandford” para que cualquiera pueda escuchar el crujido del hielo, las pisadas de las ciervas, o el batir de las alas de los gansos, aún no habiendo salido jamás de La Rioja. No en vano cuando le preguntamos a D. Antonio a qué sabe España, el contesta “a paletilla”. Cuatro muertes en la familia, contando la suya, explican esta novela de mi tío Antonio sobre el clan Salvador. Mirada atrás iracunda e indulgente, imaginada y cierta, además de afortunada, porque tuvo al tío Miguel para rehacer la historia, con lo que se evitó el sobresalto tardío de descubrir que para cuando llega la hora acuciosa de hacer preguntas ya no queda nadie que pueda contestarlas. Detalles anecdóticos aparte, éste es un vistazo al pasado familiar como cualquier otro, pero el de un español varado en un islote desierto que, a falta de mejor público, leía sus pinitos literarios a las gaviotas del caserío canadiense de Blandford. En su lengua, la de quien llevaba años hablando en inglés por fuera y en un castellano añejo por dentro, un madrileño petrificado medio siglo antes y pasteurizado por treinta años de docencia en universidades norteamericanas. Álvaro Toledo Ruiz.  

THE LOVE DEPRESSION The Love Depression (LP). reedición vinilo psicodelia rock THE LOVE DEPRESSION The Love Depression (LP). reedición vinilo psicodelia rock Obra maestra del rock venezolano de 1968, repleta de guitarras con fuzz y con un aire psicodélico. Publicado originalmente en el mismo sello que Ladies WC, este disco extremadamente difícil de conseguir destaca por ser mucho más que un simple álbum de versiones. La canción original del grupo ‘Gon’na Ride’ resiste comparaciones con sus estupendas aproximaciones al repertorio de los clásicos de Hendrix y Cream. Un disco realmente soberbio. Pasada la primera mitad de la década de los sesenta la música popular juvenil comienza a tomar un tono más obscuro. Los Beatles habían comenzado a escribir letras más reflexivas y la economía instrumental comenzaba a aparecer gracias a artistas como Taste, Cream y la Jimi Hendix Experience. Por otro lado, la exuberancia de la música soul estaba en su mejor momento gracias a las grabaciones de los sellos Motówn y Stax. Es así como en el año 1968 aparece una agrupación integrada por tres jóvenes de entre 17 y 18 años de edad que habían asumido completamente el acontecer musical del mundo en aquellos momentos. Love Depression fue la respuesta venezolana a la actividad musical de la época, ya un poco saturada de la melosidad de un pop ligeramente teñido de rock. El bajista Richard Aumaitre venia de saborear el gran éxito con la agrupación Los Darts, mientras que el guitarrista Alvaro Falcón ya comenzaba a despertar interés, primero con The Laymen, en la ciudad de Washington en donde cursó estudios, y luego ya en Venezuela junto a la agrupación Los Snobs. Por su parte Jesús Toro “Torito” tiene una historia singularmente divertida: acostumbrado a cantar bajo la ducha es escuchado por sus vecinos, unos jóvenes cubanos quienes tenían un grupo llamado Los Espitas al que lo invitan a integrarse. “Pero un día conocí a Los Beatles y la vida me cambió” recordaba. Más adelante formaría parte de grupos como Nasty Pillows y posteriormente a Love Depression de otra gran agrupación como lo fue Tsee Muds. Stephen Scott, miembro de la banda seminal del rock psicodélico venezolano Ladies WC recuerda que “Para esa época había apenas unos pocos grupos como Love Depression que estuvieran rompiendo el molde”. En abril de 1968 graban su único álbum, repleto de guitarras con fuzz y con un toque psicodélico, considerado una de las obras maestras del rock hecho en Venezuela. Lamentablemente, el período de actividad de la banda fue corto, pero intenso: participación en las recordadas Experiencias Psicotomiméticas, en Pop&Op Musical y en diferentes presentaciones a través de la red hotelera más importante de Venezuela de la época y hasta su participación en la banda sonora de la olvidada película venezolana “Dana”. Sin embargo, la falta de confianza en un futuro respaldado por la música los llevó a su separación, aunque Torito y Alvaro siguieron ese camino con muy buenos resultados.     ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆   Combinamos gastos de envío si compras varios artículos, visita nuestra tienda.   ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆   We combine shipping costs if you buy other items, visit our store.   ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆   Si tienes algún problema con alguno de nuestros artículos o con tu compra, por favor ponte en contacto con nosotros antes de emitir un voto negativo. Haremos lo posible para solucionar tu problema!   ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆ ☆   If you have any problem with any of our item or with your purchase, please contact us before issuing a negative feedback. Will do our best to solve your problem!  

ENTRADA CONCIERTO THE METEORS BARCELONA SALA ZELESTE. (AÑOS 80) ENTRADA CONCIERTO THE METEORS BARCELONA SALA ZELESTE. (AÑOS 80) ENTRADA CONCIERTO THE METEORS BARCELONA SALA ZELESTE. (AÑOS 80). SIN ROMPER. The Meteors son una banda musical del género psychobilly procedentes del Reino Unido. Aunque los orígenes del psychobilly son discutidos, The Meteors son considerados como la primera banda del estilo. Así, los seguidores de la banda son conocidos por usar la frase "Solo los Meteors son verdadero psychobilly" (usando el acrónimo "OTMAPP" del inglés "Only the Meteors are pure psychobilly"). The Meteors fue fundado en 1980 por P. Paul Fenech (guitarra y voces), Nigel Lewis (contrabajo), y Mark Robertson (batería). Antes de formar el grupo, Fenech y Lewis tocaron en otras bandas de rockabilly, pero abandonaron su anterior banda, Raw Deal, para experimentar con un nuevo sonido que mezclara en sus letras ciencia ficción y terror con una mezcla musical entre el punk y el rockabilly. Esta mezcla es la que conocemos como psychobilly. Su primer concierto fue en el Rockabilly Night en The Sparrow Hank, en el norte de Londres, pero fue interrumpido debido a su imagen punk, sin embargo en la actualidad han retomado de nueva cuenta su carrera musical.

Peter Hammill Peter Hammill Peter Hammill Peter Joseph Andrew Hammill es un músico multi instrumentista, poeta y compositor, ícono referencial y pionero del Rock progresivo de los años 70. Fue fundador y líder de la emblemática banda británica Van der Graaf Generator. En 1968 abandonó sus estudios y se vuelca de lleno a su pasión por la música, al tiempo que comenzó a desarrollar su gran despliegue creativo hasta el presente. Su arte fue caracterizado siempre por un gran espíritu de innovación y eclecticismo que ha servido como referencia de grandes bandas progresivas de la época. La poesía de Hammill, a veces oscura y excesivamente misteriosa, le ha valido críticas no siempre benévolas desde los medios y publicaciones especializadas, lo cual poco pareció importarle. Su carrera como músico solista presenta un difuso límite entre sus creaciones personales y aquellas desarrolladas desde el grupo Van der Graaf Generator, pues su estilo inconfundible se hace presente tanto en uno como en otro ámbito, inclusive compartiendo frecuentemente sesiones de grabación con varios de los músicos integrantes de la banda. Tanto es así que el primer disco editado por Van der Graaf llamado The Aerosol Grey Machine, hasta último momento se suponía que iba a ser un trabajo solista de Hammill. En 1971 realiza su primer disco solista Fool's Mate, que contiene canciones de principios de los años 1967/68 de Van der Graaf Generator. En 1974 aparece el álbum denominado In Camera, en el cual interpreta todos los instrumentos. El resultado fue una obra de cierta oscuridad conceptual, muy elaborado y profundo. El mismo año Hammill publicó asimismo su libro de poesías e historias cortas titulado Killers, Angels, Refugees, incluyendo en él una selección de sus letras de canciones. Desde 1969 - año en el cual se dio a conocer con Aerosol Grey Machine - no ha dejado de hacer música, su discografía abarca tantos estilos musicales que sería inútil tratar de encasillarlo en algún género. (Si está interesado en música Pop y Rock de los 60, 70 y 80, o de música clásica, en formato vinilo, consulte mis otros lotes en venta. Se hacen envíos combinados, lo que abarata costes de transporte.) Gastos de envío combinados a la Península: Vinilos: Discos sueltos, por envío postal ordinario, sin seguro: 4,67 € Id. id., en sobre blindado: 5,47 € Hasta 4 ejemplares: 5,98 € Mensajeria exprés, con entrega a domicilio: 1 ejemplar: 7,85 euros Hasta 4 ejemplares: 8,90 euros Hasta 10 ejemplares: 11,20 euros Hasta 20 ejemplares: 16,10 euros Pago mediante Transferencia o PayPal. No tarjeta ni contrarembolso

THE HOLLIES / The Hollies' Greatest Hits 1967 !! GRAHAN NASH, rara 1ª ORIG. EDIT. USA !! todo EXC THE HOLLIES / The Hollies' Greatest Hits 1967 !! GRAHAN NASH, rara 1ª ORIG. EDIT. USA !! todo EXC RARA 1ª EDIC ORIG. USA, ATENTO A LA gran fotografia del grupo en portada.., contiene sus primeros temas como bus stop, on a carousel..etc..,solido prensaje usa en el mitico label Imperial Records.. PRESENTA GRUESA CARPETA QUE CONTIENE EL BONITO ENCARTED EL SELLO LIBERY RECORDS, TODA UNA JOYA EN EXC CONDICION ! !! Antes de formar uno de los primeros grandes supergrupos de rock n 'roll en Crosby, Stills y Nash, el cantautor británico Graham Nash fue miembro fundador del grupo de pop de Manchester, Inglaterra The Hollies con Allan Clarke. Considerablemente popular a lo largo de las décadas, (con más de 60 singles en las listas de todo el mundo a lo largo de la carrera de la banda) The Hollies también fueron notables por su uso pionero de armonías vocales de tres partes, los primeros elementos del jangle-pop en su sonido y énfasis. en melodías brillantes y pesadas. Junto con The Beatles, The Kinks, The Zombies y tantos otros grupos de los 60, The Hollies fueron una parte integral de la famosa invasión británica que introdujo el sonido británico en Estados Unidos y, como sus contemporáneos The Rolling Stones, nunca se disolvieron y continúan gira hasta el día de hoy. En 1967, The Hollies tenía más que suficientes éxitos en las listas de éxitos El disco contó con algunos de los mejores éxitos del grupo, desde composiciones originales como 'Stop Stop Stop', 'On A Carousel' y 'Tell Me To My Face', hasta sus distintas versiones de pistas de Chuck Berry con sabor a Merseybeat. ('Memphis'), Graham Gouldman ('Bus Stop') y Doris Troy) 'Whatcha Gonna Do' Bout It ') entre muchos otros. Una colección de primera calidad de éxitos de una banda que inspiraría a generaciones de futuros grupos de Manchester como The Stone Roses y Oasis, así como a rockeros de garaje impulsados ​​por la nostalgia como The Flamin 'Groovies. The Hollies 'Greatest Hits fue la primera colección de grandes éxitos del grupo de pop británico The Hollies. El álbum fue lanzado por Imperial Records en los Estados Unidos en mayo de 1967 Side One: Bus Stop Pay You Back with Interest Here I Go Again Tell Me to My Face I'm Alive Look Through Any Window Side Two: Stop Stop Stop Whatcha Gonna Do 'Bout It Just One Look Memphis I Can't Let Go On a Carousel  

HUMBLE PIE / ON TO VICTORY !! BLUES ROCK.. !! STEVE MARRIOT !! ORG USA EDT !! todo impecable HUMBLE PIE / ON TO VICTORY !! BLUES ROCK.. !! STEVE MARRIOT !! ORG USA EDT !! todo impecable legendarios del mejor British Blues hard ROCK..!!! con steve marriot..vocal...nadie canta como el...un genio.!!!..ya no hay grupos asi.. ORG EDT USA, TODO EN ESTADO PRECTICAMENTE IMPECABLE !! todos los que somos seguidores de tipos incombustibles (por cierto el bueno de steve marriot se quemo en un incendio de su casa en 1991 con solo 44 años..,asi que la palabra es poco recurente y acertada)..pero un tipo asi tenia que tener un final nada normal.. su voz es la imagen de todos los vocalistas que se precien..el mismo despues de que la banda en 1975 se separara la reforma y saca este disco que con el..como puedes imaginar es una maravilla. LA BANDA SIGUE SONANDO CONTUNDENTE..SUENAN COMO UN CAÑON..DESDE LUEGO..ADEMAS CON Bobby Tench DEL Jeff Beck Group...RECOMENDABLE AL 100% !! nunca nunca nos cansaremos de escuchar esta banda..y esda voz del mas grande..steve marriot, este si que fue un cantante..imitado hasta la saciedad..que se lo pregunten a black crowes entre otros..lo dicho..IRREPETIBLES ! A1"Fool for a Pretty Face" (Marriott/Shirley) 4:12 A2"You Soppy Prat" (Marriott/Jones/Shirley) 4:08 A3"Infatuation" (Marriott) 3:45 A4"Take It from Here" (Marriott) 3:3 A5"Savin' It" (Tench/Marriott) 4:41 B1"Baby Don't You Do It" (Holland/Dozier/Holland) 3:25 B2"Get It in the End" (Marriott/Jones/Shirley) 2:41 B3"My Lover's Prayer" (Redding) 4:02 B4"Further Down the Road" (Marriott/Tench/Jones/Shirley) 4:29 B5"Over You" (Allen Orange/Clarence Toussaint) 2:22 Personnel •Steve Marriott - guitar, harmonica, keyboards, vocals •Bobby Tench - guitar, vocals •Anthony "Sooty" Jones - bass, vocals •Jerry Shirley - drums •Cheryl Ashley - backing vocals •Marge Raymond - backing vocals •Lisa Zimmerman - backing vocals

DIANA ROSS & THE SUPREMES / reflections 1968 !! ORIG. EDIT. USA + encarte motown !! EXCELENTE ! DIANA ROSS & THE SUPREMES / reflections 1968 !! ORIG. EDIT. USA + encarte motown !! EXCELENTE !   sin duda el mas popular grupo de chicas en los 60`s..con dian ross crearon toda una epoca y temas increibles...COLLECTORS.!!! ESTUPENDA GRUESA CARPETA SICODELICA !! ESTA EDICION TAMBIEN CONTIENE EL BONITO ENCARTE INTEROR DEL SELLO MOTOWN Siempre me ha gustado este álbum, y tiene excelentes materiales, con 3 hits en él.  temas con sonido más psicodélico, uno de los favoritos de Holland-Dozier-Holland han dicho que era Este disco tuvo bastante éxito en su lanzamiento original, habiendo alcanzado # 18 pop, y siempre fue uno de mis álbumes favoritos Supremes'. La cubierta era bastante interesante, que ofrece un collage kaleidescopic de las niñas en diferentes poses y ubicaciones. Las notas originales fueron acreditados a la señora Ross. Hay valor histórico, así, ya que este fue el primer álbum de estudio que cuentan con el apodo de "Diana Ross y The Supremes," Side one "Reflections" (Holland–Dozier–Holland) - 2:50 "I'm Gonna Make It (I Will Wait for You)" (Debbie Dean, Dennis Lussier) - 2:47 "Forever Came Today" (Holland-Dozier-Holland) - 3:14 "I Can't Make It Alone" (Holland-Dozier-Holland) - 3:14 "In and Out of Love" (Holland-Dozier-Holland) - 2:40 "Bah-Bah-Bah" (Brenda Holloway, Patrice Holloway) - 3:18 Side two "What the World Needs Now Is Love" (Burt Bacharach, Hal David) - 2:51 "Up, Up and Away" (Jimmy Webb) - 2:31 "Love (Makes Me Do Foolish Things)" (Holland-Dozier-Holland) - 2:53 "Then" (Smokey Robinson, Robert Rogers, Warren Moore) - 2:09 "Misery Makes Its Home in My Heart" (Smokey Robinson, Warren Moore) - 2:54 "Ode to Billie Joe" (Bobbie Gentry) - 4:54 Diana Ross - lead vocals Mary Wilson - backing vocals (side 1, tracks 1-2 and 4-6; side 2, tracks 1, 4, 5) Florence Ballard - backing vocals (side 1, tracks 1 and 5; side 2, tracks 1 and 5) Cindy Birdsong - backing vocals (side 1, tracks 2, 4, and 6; side 2, track 4) The Andantes (Jackie Hicks, Marlene Barrow and Louvain Demps) - backing vocals (side 1, tracks 3-5; side 2, tracks 2-3) Brian Holland, Lamont Dozier - producers on all tracks unless otherwise noted Smokey Robinson - producer on "Then" and "Misery Makes Its Home in My Heart"

SAM THE SHAM AND THE PHARAOHS / ten of pentacles 1967 GARAGE super ORIG. EDIT. USA ! EXC SAM THE SHAM AND THE PHARAOHS / ten of pentacles 1967 GARAGE super ORIG. EDIT. USA ! EXC SUPER 1ª EDIC. ORIGINAL USA, 1º LABEL MGM 4526 !! SOLIDA Y PRECIOSA ORIG. EDICION CON MUY GRUESA  CARPETA. Sam The Sham And The Pharaohs, así se llamaba la banda de un nativo de Dallas - Texas USA, llamado Domingo "Sam" Samudio. En los años sesenta fueron los reyes de un estilo musical llamado tex-mex. Su gran éxito fue "Wooly Bully", que comenzaba con la cuenta en "spanglish",..."uno, dos, uán, chú, tres, cuatro"... además, es el tema favorito de Homero Simpson! ES UNO DE ESOS DISCOS QUE HARAN QUE PRESUMAS DE COLECCION CON TUS AMISTADES..EL FUE EL QUE HIZO POPULAR POR SIGLOS VENIDEROS ESTE TEMA..WOOLY BULLY CON MILES DE VERSIONES DESPUES.. ESTE ALBUN CONTIENE GRANDES TEMAS....CON UN DIABOLICO ORGANO QUE DEFINIO SU SONIDO.. A1 Old MacDonald Had A Boogaloo Farm 2:38 A2 Stand By Me 2:40 A3 The Down Home Strut 2:20 A4 I Passed It By 2:58 A5 It's So Strange 2:40 B1 Stagger Lee 2:40 B2 Despair 2:40 B3 If You Try To Take My Baby 2:22 B4 Yakety Yak 2:25 B5 Poison Ivy 2:25 B6 A Little Bitty Thing Called Love 2:30

AUDIO TECHNICA AT33EV La AT33ANV fue la primera cápsula de la serie AN33 equipada con un cantilever de duraluminio y fue objeto de grandes elogios por su calidad sonora. Conservando las características técnicas del modelo de base, hemos desarrollado una versión mejorada y evolucionada del mismo. La A33EV es una cápsula de 1/2” de montaje estándar con aguja elíptica de 0'3x0'7 mm que incluye un cantilever de Duraluminio que le permite reducir la masa efectiva del conjunto, siendo el resultado un cantilever más duradero. El diseño de Doble Bobina Móvil de la cápsula permite aumentar la separación entre canales y extiende la curva de respuesta en frecuencia para proporcionar una calidad sonora extraordinaria. En el interior destaca la presencia de un imán de neodimio que mejora la concentración de energía magnética, así como devanados de PCOCC (cobre de la máxima pureza obtenido con un proceso muy avanzado) en las bobinas para maximizar la pureza de la señal. CARACTERISTICAS: Tipo: Bobina móvil (MC) Respuesta en frecuencia: 15-50.000 Hz Tensión de salida: 0'3 mV (a 1 kHz y 3'54 cm/s) Separación entre canales: 30 dB a 1 kHz Balance de salida: 0'5 dB a 1 kHz Fuerza de apoyo de la aguja: 1'8-2'2 g (valor estándar de 2 g) Impedancia de las bobinas: 10 ohmios a 1 kHz Resistencia en continua de las bobinas: 10 ohmios Resistencia de carga: Superior a 100 ohmios (con preamplificador de fono conectado) Inductancia de las bobinas: 22 uH a 1 kHz Compliancia estática: 40x10-6 cm/dyna Compliancia dinámica: 10x10-6 cm/dyna a 100 Hz Forma de la aguja: Ovalada (0'3x0'7 mm) Cantilever: Tubo de Duraluminio terminado en punta Angulo de lectura vertical: 23º Dimensiones: 16x16'6x26'5 mm (Al x An x P) Peso: 6'9 g Accesorios suministrados: 1 destornillador no magnético, 2 arandelas, 1 protector, 2 tornillos para instalación de 13 mm, 2 tornillos para instalación de 19 mm, 2 tuercas, 1 cepillo de limpieza y 1 juego de terminales de conexión de PCOCC. AUDIO TECHNICA AT33EV capsula giradiscos

THE CURE - CONCERT (THE CURE LIVE) - ALBUM VINILO ORIGINAL PRIMERA EDICION POLYDOR 1984 THE CURE - CONCERT (THE CURE LIVE) - ALBUM VINILO ORIGINAL PRIMERA EDICION POLYDOR 1984 Concert es el primer álbum en vivo de la banda británica de rock, The Cure. La edición en cassette fue doble, ya que contenía el resto de caras B y se tituló Curiosity (Killing the Cat): Cure Anomalies 1977–1984. El disco es el resultado de las grabaciones de los conciertos que dio la banda en el actual Hammersmith Apollo de Londres y en Oxford en mayo de 1984. La portada fue diseñada por el mismo Robert Smith, bajo el seudónimo de Toberr, con un fotograma de vídeo de una emisión de televisión en directo el 25 de agosto de 1984 durante el concierto que The Cure ofrecieron en el Barrowland Ballroom situado en Glasgow, Escocia y que tenía la intención de que ilustrase un disco pirata de la banda. Algunos de los temas que los Cure tocaron en los conciertos de mayo de 1984 en Oxford y Londres durante la gira promocional del álbum "The Top", se inmortalizarían en el primer directo oficial de la banda de Robert Smith. Así, de lo poco que se podía salvar del mediocre y antes mencionado "The top", se incluyeron " Shake dog shake " y " Give me it ". También, una revisión más acorde con su estilo del hit discotequero " The walk ". Del oscuro y taciturno "Pornography" dejarían patente una intensidad épica con " One hundred years " y " The hanging garden ". Del tétrico y tormentoso "Faith" se incluiría la menos tenebrosa, esa fantástica " Primary ". Además, la inclusión de " Charlotte sometimes " permitió conocer más ampliamente una de las rarezas inéditas publicadas en formato single de The Cure. Del frío y experimental "Seventeen seconds" se recogería " A forest " en una psicodélica versión que se convertiría a posteriori en la joya del siniestro afterpunk. Finalmente, para cerrar este álbum " 10:15 Saturday night " y " Killing an arab ", los dos temas de su primer single con aquel primerizo powerpop característico. En definitiva, en "Concert - The Cure Live" se recogían las mayores virtudes del primer y más interesante período de una de las bandas más exitosas de la década de los 80. Listado de canciones: 1. «Shake Dog Shake» 4:14 2. «Primary» 3:29 3. «Charlotte Sometimes» 4:06 4. «The Hanging Garden» 4:05 5. «Give Me It» 2:49 6. «The Walk» 3:31 7. «One Hundred Years» 6:48 8. «A Forest» 6:46 9. «10:15 Saturday Night» 3:44 10. «Killing an Arab» 2:51 In 1984, the Cure released The Top, a generally psychedelic album on which Smith played all the instruments except the drums—played by Andy Anderson—and the saxophone—played by returnee Porl Thompson. The album was a Top 10 hit in the UK, and was their first studio album to break the Billboard 200 in the US, reaching number 180. Melody Maker praised the album as "psychedelia that can't be dated", while pondering, "I've yet to meet anyone who can tell me why the Cure are having hits now of all times." The Cure then embarked on their worldwide Top Tour with Thompson, Anderson and producer-turned-bassist Phil Thornalley on board. Released in late 1984, The Cure's first live album, Concert consisted of performances from this tour. Near the tour's end, Anderson was fired for destroying a hotel room and was replaced by Boris Williams. Thornalley also left because of the stress of touring. However, the bassist slot was not vacant long, for a Cure roadie named Gary Biddles had brokered a reunion between Smith and former bassist Simon Gallup, who had been playing in the band Fools Dance. Soon after reconciling, Smith asked Gallup to rejoin the band. Concert: The Cure Live is the first live album of English rock band The Cure. It was recorded in 1984 at the Hammersmith Odeon in London and in Oxford. Its cassette tape edition featured on the B-side a twin album of anomalies, titled Curiosity (Killing the Cat): Cure Anomalies 1977–1984.

Sigma ART 50-100mm F1.8 DC HSM Objetivo telezoom de formato APS-C con montura Nikon SIGMA Service PRO DEALER: Ahora al comprar tu objetivo de las series Art, Contemporary y Sports, disfruta de servicios exclusivos. Haz  click aquí  para saber más  SIGMA se propuso crear un objetivo zoom que ofreciera la misma luminosidad y resolución que un objetivo de distancia focal fija: en otras palabras, el nivel más alto de rendimiento óptico y potencia expresiva. El primer resultado de este desafío fue el SIGMA 18-35mm F1.8 DC HSM | Art. Además de cumplir con los requisitos de la línea de Art de SIGMA, este objetivo fue el primero del mundo con zoom APS-C para las réflex digitales en ofrecer un valor de apertura F1.8 constante en todo el rango de zoom.  Sobre la base de este concepto, SIGMA ha desarrollado el nuevo SIGMA 50-100mm F1.8 DC HSM | Art, un teleobjetivo zoom medio de gran diámetro. Al mismo tiempo que ofrece mayor luminosidad que un teleobjetivo F2.8, este objetivo cubre las distancias focales de tres de los objetivos de focal fija más usuales: 85 mm, 105 mm y 135 mm (equivalente en 35 mm). Un verdadero cambio de juego, este objetivo es ideal para retratos con efectos bokeh sutiles y además, establece un nuevo estándar de calidad de la imagen en objetivos telezoom. Tecnología que ejemplifica la serie Art en un zoom Elementos FLD y SLD para reducir las aberraciones Para ayudar a minimizar la aberración cromática axial y transversal, este objetivo cuenta con una disposición óptima de los tres elementos FLD (baja dispersión "F”, similar a la fluorita), un elemento SLD (Especial Baja Dispersión), tres elementos SLD con un alto índice de refracción, y un elemento y un elemento de vidrio de alto índice de refracción y alta dispersión. Con la inclusión de uno o más elementos de baja dispersión en cada grupo de elementos, esta lente asegura una calidad de imagen excepcional en todo el zoom y cualquier distancia de enfoque. Con un nuevo diseño de motor hipersónico Para lograr una excelente calidad de imagen y luminosidad F1.8, SIGMA ha mejorado su Motor Hipersónico (HSM) optimizando la disposición, así como las formas de los componentes. SIGMA ha hecho que el HSM sea un 30 por ciento más delgado que antes. A su vez, esto ha hecho posible la combinación de la luminosidad F1.8 y una alta calidad de imagen converjan en un objetivo zoom. Unidad de diafragma diseñada para un funcionamiento suave   Las láminas del diafragma cuentan con un revestimiento de carbono, y la unidad de diafragma está fabricada con un nuevo material de policarbonato con fluorina. Gracias a estas innovaciones, el funcionamiento del diafragma es excepcionalmente suave, incluso durante el disparo continuo, mientras que el policarbonato es excepcionalmente duradero y resistente al desgaste. Diseñado para reducir las luces parásitas y los reflejos Desde el inicio del proceso de diseño, SIGMA mide los destellos y las sombras para establecer un diseño óptico que sea resistente a fuertes fuentes de luz. En la fase de creación de prototipos, SIGMA utiliza no sólo simulaciones, sino también experimentos fotográficos reales para evaluar los destellos y las sombras bajo múltiples criterios, identificar las causas de estas cuestiones en relación con una amplia gama de situaciones, y tomar medidas para mitigarlos. Además, el recubrimiento Súper Multicapa de SIGMA ayuda a reducir aún más los destellos y las sombras y proporcionan imágenes nítidas y de alto contraste incluso en condiciones de contraluz. Zoom de fácil manejo Soporte para trípode diseñado para un funcionamiento estable y cómodo  El aro de trípode es compacto, haciendo la operación más estable y cómoda durante la fotografía a pulso. Las piezas con recubrimiento de níquel electrolítico ayudan a garantizar la calidad y la durabilidad de las paradas de clic de 90 grados y la conmutación suave entre la posición horizontal y vertical. La forma de la zapata también mejora la facilidad de manipulación y transporte cuando el objetivo no está unido a una cámara. Enfoque y zoom interno Desde su lanzamiento, el SIGMA 18-35mm F1.8 DC HSM | Art ha sido ampliamente utilizado para la realización de vídeos. Entendiendo que el SIGMA 18-35mm F1.8 DC HSM | Art y el nuevo SIGMA 50-100mm F1.8 DC HSM | Art a menudo se utilizaran juntos, SIGMA ha hecho que el estilo de operación y manejo sea el mismo para ambos objetivos, incluyendo la sensación de enfoque y zoom. Gracias al enfoque interno de SIGMA y la tecnología de zoom interno, el ajuste de los anillos de enfoque y zoom no cambia la longitud del objetivo. Servicios disponibles Como en todos los objetivos de las series Contemporary, Art y Sports, este objetivo está disponible para el servicio cambio de montura. Además, gracias al USB Dock, se puede ajustar y actualizar su firmware.

Sigma ART 50-100mm F1.8 DC HSM Objetivo telezoom de formato APS-C con montura Canon EF SIGMA Service PRO DEALER: Ahora al comprar tu objetivo de las series Art, Contemporary y Sports, disfruta de servicios exclusivos. Haz  click aquí  para saber más  SIGMA se propuso crear un objetivo zoom que ofreciera la misma luminosidad y resolución que un objetivo de distancia focal fija: en otras palabras, el nivel más alto de rendimiento óptico y potencia expresiva. El primer resultado de este desafío fue el SIGMA 18-35mm F1.8 DC HSM | Art. Además de cumplir con los requisitos de la línea de Art de SIGMA, este objetivo fue el primero del mundo con zoom APS-C para las réflex digitales en ofrecer un valor de apertura F1.8 constante en todo el rango de zoom.  Sobre la base de este concepto, SIGMA ha desarrollado el nuevo SIGMA 50-100mm F1.8 DC HSM | Art, un teleobjetivo zoom medio de gran diámetro. Al mismo tiempo que ofrece mayor luminosidad que un teleobjetivo F2.8, este objetivo cubre las distancias focales de tres de los objetivos de focal fija más usuales: 85 mm, 105 mm y 135 mm (equivalente en 35 mm). Un verdadero cambio de juego, este objetivo es ideal para retratos con efectos bokeh sutiles y además, establece un nuevo estándar de calidad de la imagen en objetivos telezoom. Tecnología que ejemplifica la serie Art en un zoom Elementos FLD y SLD para reducir las aberraciones Para ayudar a minimizar la aberración cromática axial y transversal, este objetivo cuenta con una disposición óptima de los tres elementos FLD (baja dispersión "F”, similar a la fluorita), un elemento SLD (Especial Baja Dispersión), tres elementos SLD con un alto índice de refracción, y un elemento y un elemento de vidrio de alto índice de refracción y alta dispersión. Con la inclusión de uno o más elementos de baja dispersión en cada grupo de elementos, esta lente asegura una calidad de imagen excepcional en todo el zoom y cualquier distancia de enfoque. Con un nuevo diseño de motor hipersónico Para lograr una excelente calidad de imagen y luminosidad F1.8, SIGMA ha mejorado su Motor Hipersónico (HSM) optimizando la disposición, así como las formas de los componentes. SIGMA ha hecho que el HSM sea un 30 por ciento más delgado que antes. A su vez, esto ha hecho posible la combinación de la luminosidad F1.8 y una alta calidad de imagen converjan en un objetivo zoom. Unidad de diafragma diseñada para un funcionamiento suave   Las láminas del diafragma cuentan con un revestimiento de carbono, y la unidad de diafragma está fabricada con un nuevo material de policarbonato con fluorina. Gracias a estas innovaciones, el funcionamiento del diafragma es excepcionalmente suave, incluso durante el disparo continuo, mientras que el policarbonato es excepcionalmente duradero y resistente al desgaste. Diseñado para reducir las luces parásitas y los reflejos Desde el inicio del proceso de diseño, SIGMA mide los destellos y las sombras para establecer un diseño óptico que sea resistente a fuertes fuentes de luz. En la fase de creación de prototipos, SIGMA utiliza no sólo simulaciones, sino también experimentos fotográficos reales para evaluar los destellos y las sombras bajo múltiples criterios, identificar las causas de estas cuestiones en relación con una amplia gama de situaciones, y tomar medidas para mitigarlos. Además, el recubrimiento Súper Multicapa de SIGMA ayuda a reducir aún más los destellos y las sombras y proporcionan imágenes nítidas y de alto contraste incluso en condiciones de contraluz. Zoom de fácil manejo Soporte para trípode diseñado para un funcionamiento estable y cómodo  El aro de trípode es compacto, haciendo la operación más estable y cómoda durante la fotografía a pulso. Las piezas con recubrimiento de níquel electrolítico ayudan a garantizar la calidad y la durabilidad de las paradas de clic de 90 grados y la conmutación suave entre la posición horizontal y vertical. La forma de la zapata también mejora la facilidad de manipulación y transporte cuando el objetivo no está unido a una cámara. Enfoque y zoom interno Desde su lanzamiento, el SIGMA 18-35mm F1.8 DC HSM | Art ha sido ampliamente utilizado para la realización de vídeos. Entendiendo que el SIGMA 18-35mm F1.8 DC HSM | Art y el nuevo SIGMA 50-100mm F1.8 DC HSM | Art a menudo se utilizaran juntos, SIGMA ha hecho que el estilo de operación y manejo sea el mismo para ambos objetivos, incluyendo la sensación de enfoque y zoom. Gracias al enfoque interno de SIGMA y la tecnología de zoom interno, el ajuste de los anillos de enfoque y zoom no cambia la longitud del objetivo. Servicios disponibles Como en todos los objetivos de las series Contemporary, Art y Sports, este objetivo está disponible para el servicio cambio de montura. Además, gracias al USB Dock, se puede ajustar y actualizar su firmware.