Llego despues comprada

JUDGE DREAD * 2 CD * The Legendary Judge Dread * PRECINTADO!! Reggae Ska JUDGE DREAD * 2 CD * The Legendary Judge Dread * PRECINTADO!! Reggae Ska Alex Hughe mas conocido como Judge Dread,es unos de los grandes del ska reggae de Inglaterra de todos los tiempos. A principios de los 70's fue cuando empezo todo su exito Gracias al single "Big Sitx" ya que gracias a el llego al numero 11 de los 50 exitos màs grandes de los años 1972-1973. un dato curioso de este artista fue de su record guiness,ya que el es el artista que tiene canciones mas censuradas de todos los tiempos. Fue el primer artista Blanco en tener exito ska reggae en Jamaica,Murio cantando en los escenarios en el teatro Penny Canterbury el 13 de marzo de 1998. Alex Hughes, mejor conocido como Judge Dread, fue y aun sigue siendo uno de los mas importantes cantantes de Ska y Reggae de todos los tiempos. Judge Dread fué, es y seguirá siendo una gran parte de la inspiración de los cantantes y bandas de reggae-ska en la actualidad. Judge Dread nació en Kent, Inglaterra en el año de 1945. Hay personas que fueron cercanas a Dread que dicen que cuando el era un niño de 7 u 8 años era muy amigable con todas las personas, si tu pasabas por la calle cercas de el, el te decia siempre hello ! Alright, boy !. Años mas tarde después de dejar la escuela, Dread se alojó con una familia Jamaicana, recordemos que el creció en Londres cuando llegó la primera ola de inmigrantes de Jamaica, y tan solo ese fue el primer paso para que el haya quedado enamorado de la música jamaicana para toda su vida. En los años 60´s Judge Dread fue una figura familiar en los West Indians Club´s de Londres, ya que trabajaba de Bouncer (Guarura, Seguridad, Saca Borrachos, por decirlo asi). De cararter alegre, Judge Dread conocio a Prince Búster y a Derrick Morgan “Mr. Skinhead Reggae” cuando estos visitaron Inglaterra en aquellos años en lo que dominaba era el Skinhead Reggae. Dread tambien fue Guardespaldas de los Rolling Stones y también trabajo como cobrador de deudas para Entretenimientos Comerciales y Trojan Records. Para mencionar una anécdota cuando el trabajó para entretenimientos comerciales el fue quien se encargó de arreglar los tours de los conciertos de Desmond Dekker y The Pioneers en sus giras por UK. Porque se puso Alex Hughes el nombre artístico “Judge Dread” ? Se puso ese nombre por el carácter de Prince Búster en la era de los Rude Boys. En 1969 Prince Búster tuvo un éxito mas con el sencillo “Big 5” una gran obscena canción basada en la versión de Brook Benton’s Rainy Night In Georgia, vendiendo miles de discos con su gran éxito.Pero en los principios de los 70´s Prince Búster empezó a caer en las listas de popularidad hasta llegar al grado de casi no vender discos. Judge Dread aprovecho ese momento para salir al mercado con su primer éxito: “Big Sixt”, con este disco Alex Hughes se reinvento el mismo como el hombre mas rudo del mundo, Judge Dread. La gente se sorprendio cuando observaron como un rubio ingles muy alto y de mucha barba estaba cantando Reggae y Ska. Con sus canciones de fuerte contenido, la sociedad británica lo criticaba mucho por las letras de sus canciones, pero las canciones claramente hablaban de la realidad de la injusticia y desigualdad y de la working class (clase obrera). Con su éxito “Big Sixt” llego al numero 11 en el top 50 de la lista de éxitos británicos entre los años de 1972-1973 por 27 semanas. Para entonces Judge Dread ya era una estrella subterránea y cuando el se presentaba a dar pequeños conciertos en los pubs era un hecho que el pub estaría muy lleno. También “Big Sixt” fue un éxito en Jamaica. Cuando se acabo el éxito de “Big Sixt”, el ya tenia otra sorpresa: el Big Seven. Para muchos este último fue mejor que el big sixt. Pero de cualquier forma ambas canciones merecen mucho respeto por la gran calidad. El siguiente éxito de Dread fue en el mes de abril del año de 1973 con “Big Eight”. Esta canción llego a estar tambien en el numero 11 de la exigente lista de exitos de Inglaterra. Entonces Judge Dread cambio un poco el estilo del reggae al de estas canciones para crear otro de sus grandes éxitos: “Je t´aime” llegando este al puesto numero 9 en Julio de 1975. En ese mismo año Dread creo otros 2 exitos que estuvieron en los primeros 20 lugares de la prestigiada lista británica, el primero fue “Big 10” y el segundo “Chritsmas in Dreadland” igualada con “Come Outside”. Ya para entonces siguieron muchos éxitos mas por nombrar tan solo algunos como este gran éxito que a mi en lo particular es la canción que mas me gusta de todo su repertorio: “The Winkle Man” (Un Reggae muy a su estilo bien suave) llegando al lugar numero 35 en Mayo de 1976, “Y Viva Suspenders” (numero 27, en Agosto de 1976). Los Nombres de sus discos mas famosos fueron Working Class ‘ero,” (1974), “Bedtime Stories,” (1975), “Last of the Skinheads” (1976), el best seller “40 Big Ones” (1980), and “Not Guilty” (1984). Como olvidarlos ! El legendario exitazo “Bring Back the Skins” y “Jamaica Jerk Off”. Ya en los siguientes años y hasta el día de su muerte, Judge Dread siguió dando conciertos con muchas bandas importantes de la segunda y tercera ola del Ska, por mencionar a la banda de Alemania Dr. Ring-Ding & The Senior AllStars. Un dato curioso de Judge Dread es sobre los records de Guiness. El es el artista que tiene mas canciones censuradas de todos los tiempos. Que cosas no ? Y es que sus canciones son tan divertidas, esas letras en las que se burla de muchos tipos de sociedad. Y Cabe mencionar también que el tenia solo músicos jamaicanos en su banda. En los años 70´s tan solo Bob Marley & The Wailers fue el unico artista en su genero que supero a Dread en tener mas éxitos en la exigente lista de hits Británica y en la venta de Discos. Su gran amistad que hizo con Desmond Dekker se debió a que el trabajó con él en las giras que hizo a Inglaterra. Hay un gran testimonio de que cuando Desmond Dekker llego al Numero 1 (si ! al numero uno!!) en el cada vez mas difícil chart Ingles con su inigualable “Israelites”, Judge Dread lo llevo a tocar en un Bar de Snodland llamado Savoy snooker club. Además tocaron juntos varios “Palomasos” de los exitos de Dekker y otros artistas. Que gran recuerdo se llevaron todos los asistentes a ese bar en ese día. Muchos años después, para ser mas exactos el día Viernes 13 de Marzo de 1998 dando una presentación en el teatro Thurday Night en la ciudad de Canterbury, Inglaterra, Judge Dread falleció de un un ataque del corazón. Al terminar la tercera canción, “Down on the Beach”, el cantante cayó al suelo. La gente creía que estaba de broma, porque siempre hacía cosas imprevisibles y espontaneas, pero en realidad había sufrido un ataque al corazón. Ya anteriormente había sido tratado de problemas cardiacos y diabetes, 18 meses atrás. Cuando llegó una ambulancia le metieron en ella, pero debido a un problema eléctrico esta no arrancaba. Entonces parte del público empezó a empujarla, intentando ponerla en marcha, pero no hubo manera. Para rematar la situación, alguién que vió a tantos punks empujando la ambulancia pensó que la estaban intentando robar y llamó a la policía. El resultado fue un completo enredo. Para cuando llegó una segunda ambulancia y le trasladaron al hospital, fue demasiado tarde. Desde luego, el final es digno de él: durante un concierto y totalmente caótico, parece sacado de una comedia de humor negro. Seguramente se habrá reido mucho, dondequiera que esté...   Este álbum recoge en 2 discos sus dos grandes recopilatoris vol. 1 y vol 2 que aparecieron únicamente en vinilo.  Sin duda un disco imprescindible. Precintado de fábrica!! Disc: 1 1. Je T'aime 2. Ska Fever 3. Hello Baby 4. Up With The Cock 5. Phoenix City 6. Bring Back The Skins 7. The Winkle Man 8. Big 6 9. Rudy (A Message To You) 10. Jamaica Jerk Off 11. Dread Rock 12. Rub A Dub 13. Lovers Rock 14. Big 9 Disc: 2 1. Big Eight 2. Fatty Dread 3. Reggae And Ska 4. Will I What 5. Al Capone 6. Y Viv A Suspenders 7. Dreads Law 8. All In The Mind 9. Deception 10. Come Outside 11. Big One 12. Take It Easy 13. Molly 14. Mary Ann

AMARAL SUS ÁLBUMES DE ESTUDIO 1998-2008 BOX SET - 6 CD AMARAL SUS ÁLBUMES DE ESTUDIO 1998-2008 BOX SET - 6 CD AMARAL SUS ÁLBUMES DE ESTUDIO 1998-2008 BOX SET - 6 CD AMARAL SUS ÁLBUMES DE ESTUDIO 1998-2008-BOX SET - 6 CD. Limited Edition Pack/Box set. Edición WARNER MUSIC (2019).ESTADO: IMPECABLE, EMBLISTADO, NUEVO A ESTRENAR. Después de más de veinte años de trayectoria, y muchísimas canciones que han pasado a formar parte de la geografía sentimental de millones de admiradores, en España y Latinoamérica, no hay duda de que el dùo aragonés  Amaral  -formado por  Eva Amaral  y  Juan Aguirre - ha escrito una página imborrable de la historia del pop rock en español.Hoy en día son considerados como  de uno de los grupos más influyentes y valorados del pop rock español. El homónimo 'Amaral', publicado en 1998 por Virgin, con el que el dúo aragonés formado por Eva Amaral y Juan Aguirre se dio a conocer al mundo. Dos años después vio la luz 'Una pequeña parte del mundo' grabado en Londres tras la gira de su álbum debut, con cuatro sencillos que les dieron gran notoriedad: Cómo hablar, Subamos al cielo, Cabecita loca y Nada de nada. En 2002 llegó 'Estrella de Mar' el álbum que los catapultó a lo más alto, considerado según la revista Rolling Stone uno de 'Los 50 mejores discos del rock español'. También producido por Cameron Jenkins, 'Pájaros en la cabeza' fue el disco más vendido es España en 2005. Con varios sencillos que alcanzaron un éxito sin precedentes: 'El universo sobre mí', 'días de verano', 'Marta, Sebas, Guille y los demás', 'Resurrección' y 'Revolución'. Este álbum dio a Amaral tres premios de la Música en 2006: Mejor Álbum, Mejor Canción y Mejor Vídeo Musical (por Días de verano). La caja se completa con 'Gato Negro Dragón Rojo' un doble álbum provisto de 19 canciones, entre las que destacan cuatro sencillos: 'Kamikaze', 'Tarde de domingo rara', 'Perdóname' y 'El Blues de la Generación Perdida'. Entró directamente al No.1 de la lista oficial de los álbumes más vendidos en España, consiguiendo su primer Disco Platino en una semana. Con este trabajo volvieron a ganar el Premio de la música al Mejor álbum en 2009. Este Box Set incluye, en orden cronológico, sus cinco primeros álbumes oficiales, publicados entre 1998 y 2008. Incluye: -Amaral (1998) -Una pequeña parte del mundo (2000) -Estrella de mar (2002) -Pájaros en la cabeza (2005) -Gato negro, Dragón rojo (2008) Canciones: Disco 1 Rosita Un día más Voy a acabar contigo Cara a cara Tardes No existen los milagros Lo quiero oír de tu boca Habla 1997 Dile a la rabia Soy lo que soy No sé qué hacer con mi vida Mercado negro Disco 2 Subamos al cielo Cabecita loca Cómo hablar Los aviones no pueden volar Queda el silencio Una pequeña parte del mundo Botas de terciopelo Volverá la suerte El día de año nuevo El mundo al revés Siento que te extraño Nada de nada El final Disco 3 Sin ti no soy nada Moriría por vos Toda la noche en la calle Te necesito ¿Qué será? Salir corriendo Estrella de mar Rosa de la paz No sabe dónde va De la noche a la mañana El centro de mis ojos En sólo un segundo Disco 4 El universo sobre mi Días de verano Revolución Mi alma perdida Marta, Sebas, Guille y los demás Esta madrugada Big Bang Enamorada Tarde para cambiar En el río Resurrección Confiar en alguien Salta No soy como tú Disco 5 Kamikaze Tarde de domingo rara La barrera del sonido Las chicas de mi barrio Esta noche Las puertas del infierno Biarritz Gato negro Rock & Roll Perdóname Alerta El blues de la generación perdida De carne y hueso Dragón rojo Es sólo una canción El artista del alambre Deprisa Doce palabras Concorde ARTÍCULO DE COLECCIÓN ORIGINAL. LE SUGERIMOS QUE ANTES DE COMPRAR VEA Y LEA DETENIDAMENTE  TODA LA INFORMACIÓN, PARA ASEGURARSE  Y EVITAR POSIBLES MAL ENTENDIDOS Y PERDIDAS DE TIEMPO. SE VENDE Y SE ENVÍA   TAL COMO SE VE EN LAS FOTOS . NO SE ADMITEN DEVOLUCIONES, NO HACEMOS CAMBIOS.   16 EUROS + GASTOS DE ENVIO  

Utilizado, pero la  cámara  digital de formato medio excelente estado  hasselblad  H5D-50c modelo actual. incluye todo lo que se muestra - 2 baterías, cargador y correa. Hay NO INCLUIDO con esta venta LENTE. Esta cámara fue comprada por uno de nuestros clientes para un retrato de estudio y sólo se utiliza en interiores. Ahora han cambiado de dirección y se ofreció la cámara a la venta después de sólo 4.160 tiros

focus - moving waves 1971, HOCUS POCUS 2º lp jan akkerman, Thijs Van Leer, RARA edt JAPAN, exc focus - moving waves 1971, HOCUS POCUS 2º lp jan akkerman, Thijs Van Leer, RARA edt JAPAN, exc estraordinario 2º lp de ESTA SIEMPRE SORPRENDENTE Y RECORDADA FORMACION HOLANDESA QUE FABRICARON ALGUNOS DE LOS MEJORES ALBUNES DEL ROCK PROGRESIVO MUNDIAL, SIEMPRE CON EXTREMA CALIDAD. RARA Y COLECCIONBLE EDIT ORG JAPONESA QUE CONTIENE INSERTO INTERIOR. carpeta sin codigos de barra vinilo presenta alguna señal de uso pero su escucha es buena, sin problema LA BANDA ESTABA COMPUESTA POR: Jan Akkerman guitar...Thijs Van Leer,teclados,voz y flauta...pierre van der linden a la bateria, eran todo un supergrupo.. FUERON UNA DE LAS MAS GRANDES FORMACIONES EN FUSIONAR EL PROGRESIVO CON EL ROCK,TODOS MUSICOS PERFECTOS CON UN DOMINIO DE SUS INSTRUMENTOS QUE A TODOS NOS ASOMBRO. Moving Waves o Focus II es el segundo álbum de estudio de la banda holandesa de rock progresivo Focus, publicado en octubre de 1971. Presenta una de las canciones más famosas de la banda, "Hocus Pocus", que incluye yodels y voces en falsete acompañadas de un riff propio del heavy metal. Siendo un disco con un sonido bastante experimental, alcanzó el noveno puesto en la lista holandesa de los 40 discos más vendidos y octavo en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido llegó hasta el 2º lugar. La canción "Eruption" es una extraordinaria adaptación de la ópera Eurídice (de Jacopo Peri), a los sonidos del Rock progresivo. La misma narra la trágica historia de amor entre Orfeo y Eurídice. Aunque Holanda ya había arrojado bandas de relativo éxito internacional como Golden Earring o Shocking Blue, no fue hasta la aparición del segundo disco de Focus, cuando finalmente se produjo un impacto relevante que duraría varios años. En medio de la efervescencia del rock progresivo y el hard rock, el cuarteto de Amsterdam formado por Thijs Van Leer (teclados, flauta y voz ocasional) y Jan Akkerman (guitarra) en 1968, logró superar el incierto comienzo con Focus Play Focus (1970) (más conocido como In and Out of Focus), con este soberbio manifiesto de creatividad que recogía influencias de Jethro Tull y Deep Purple, entre otras bandas. Con la inclusión del gran baterista Pierre Van Der Linden y el bajista Cyril Havermans, más la producción de Mike Vernon, la banda grabó un segundo disco en el que exploraron desde el rock progresivo más intenso y frenético, con elementos del jazz, hasta baladas melódicas y temas de guitarra clásica. La gran apertura del disco con el inolvidable tema “Hocus Pocus” fue una puerta de entrada triunfal. Aún hoy resuena esa canción construida sobre la base de un potente y pegadizo riff de guitarra que se repite varias veces, varios solos frenéticos del propio Akkerman, una batería imparable y diversas partes en las que Van Leer utiliza falseto y una forma de cantar que recuerda a los tiroleses. “Hocus Pocus” logró colarse en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico, recibiendo suficiente atención y tiempo al aire en emisoras de radio como para que Focus pasara a ser una banda respetable y muy bien cotizada. En 2010, el tema volvió a primer plano al ser elegido para una pieza publicitaria de la marca Nike, sonando en la final de la Uefa Champions League de 2010 y en la Copa Mundial de Suráfrica. También fue sampleada por el rapero J Cole para el tema “Blow Up” que aparece en el videojuego “MLB 11: The Snow”, y fue escogida para la banda sonora del remake de “Robocop” en 2014. Luego de “Hocus Pocus”, el álbum continúa con “Le Clochard”, un corto y melancólico tema de inspiración barroca que Akkerman toca con guitarra clásica y Van Leer acompaña con un delicado mellotron. El propio guitarrista aporta la delicada balada “Janis”, en la que Van Leer toca varias capas de flauta, y este sigue con “Moving Waves” al piano, con letra del poeta sufí Inayat Khan. El lado A del disco lo cerraba “Focus II”, una balada blues-jazzeada característica de cada disco de la banda hasta el día de hoy y que siempre han sido tituladas con un correlativo en números romanos. La gran suite instrumental “Eruption”, de 22 minutos y medio, ocupa todo el lado B, subdividida en 15 partes que fluyen como un todo y que en definitiva catapultó a Focus a las grandes ligas del rock progresivo, dominado para entonces principalmente por bandas británicas. El título del tema es muy adecuado ya que a lo largo de su desarrollo hay momentos de auténtica erupción volcánica y otros de tensa calma, y espacio para el lucimiento de cada uno de los músicos. Sin duda, era un auténtico “tour de force” para el joven cuarteto holandés. Afloran en él diversas referencias, entre ellas la ópera “Eurídice” de Jacopo Peri que aquí es traducida al idioma hard rock, una melodía de “L’Orfeo” de Monteverdi, un segmento de “Tommy” de Tom Barlage, influencias de Frank Zappa en la sincopada “The Bridge” y algunas más, todo sin menoscabo del aporte que como compositor realizó Van Leer. Es, sin duda, una obra épica y definitiva en la carrera de Focus, que aún estaba por arrojar otros dos discos fenomenales (Focus III y Hamburger Concerto), antes de perderse en una nebulosa de jazz-rock-funk de poca trascendencia. Video incompleto de «Eruption»: Un sampleo de “Eruption” puede ser encontrado en el disco Bocanada de Gustavo Cerati. Focus II / Moving Waves fue lanzado en octubre de 1971 y 45 años después todavía destila una frescura notable y una energía lejos de extinguirse. "Hocus Pocus" (Thijs van Leer, Jan Akkerman) – 6:42     "Le Clochard" (Jan Akkerman) – 2:01     "Janis" (Jan Akkerman) – 3:09     "Moving Waves" (Thijs van Leer, Inayat Khan) – 2:42     "Focus II" (Thijs van Leer) – 2:56     "Eruption:" -23:04         "Orfeus" (van Leer) – 1:22         "Answer" (van Leer) – 1:35         "Orfeus" (van Leer) – 1:20         "Answer" (van Leer) – 0:52         "Pupilla" (van Leer) – 1:03         "Tommy" (Tom Barlage) – 1:45         "Pupilla" (van Leer) – 0:34         "Answer" (van Leer) – 0:21         "The Bridge" (Akkerman) – 5:20         "Break" – 0:24         "Euridice" (van Leer, Eelke Nobel) – 1:40         "Dayglow" (van Leer) – 2:02         "Endless Road" (Pierre van der Linden) – 1:43         "Answer" (van Leer) – 0:34         "Orfeus" (van Leer) – 0:51         "Euridice" (van Leer, Nobel) – 1:37 Thijs van Leer – piano, órgano Hammond, sintetizador, melotrón, armonio, flauta traversa, acordeón, voz. Jan Akkerman – guitarra, bajo, instrumentos de percusión. Cyril Havermans – bajo, voz. Pierre van der Linden – batería, percusión

EL MUNDO VISTO A LOS OCHENTA AÑOS EL MUNDO VISTO A LOS OCHENTA AÑOS ISBN:978-84-18818-09-7//RESUMEN:Con el privilegio de haber llegado a octogenario, Cajal pasó revista en su último libro, editado tras su muerte (y que rápidamente se convirtió en un libro clásico reeditado numerosísimas veces durante medio siglo), a diferentes aspectos de la vida nacional, alguno de los cuales sigue todavía pendiente de resolución. El sabio español es en este volumen un observador, no solo de los muchos e irremediables problemas físicos que trae consigo la senectud, sino también de algunos asuntos fundamentales que su patria no había resuelto y que casi un siglo después continúan sin respuesta. Sobresale entre ellos la escasa vocación estatal por la investigación científica, limitándose a puntuales aportaciones al margen de un proyecto nacional pese a la buena cantera que el país proporciona humanamente. En esta gavilla de escritos no faltan percepciones castizas del mundo madrileño, de esa ciudad en la que cuajó la mayor parte de su biografía humana y científica. Es, en definitiva, un libro profundamente testimonial de un solitario y descreído octogenario de los años treinta, que también podría pertenecer a nuestro tiempo y a nuestra circunstancia histórica más actual. Nuestra edición aporta además un esclarecedor prólogo del médico y escritor Javier Sanz.Con otros registros más propios de ciudadano observador que de hombre científico, conforma Cajal en este singular libro póstumo una visión del panorama español de su tiempo observada por un escéptico octogenario.La obra de Santiago Ramón y Cajal (1852-1934) sigue gozando del aprecio de los seguidores de la Neurociencia no como una reliquia que se venera sino como el sólido precursor que fue, lo cual le valió el Premio Nobel en Fisiología o Medicina en 1906 tras el Premio Internacional Moscú (1900) y la Medalla Helmholtz (1905). De infancia peculiar y adolescencia aventurera acabó los estudios de Medicina, cuyo título fue el pasaporte para marchar como médico militar a Cuba de donde regresó con alguna merma física por contagio tropical. Desde entonces su pasión fue la investigación histológica, alcanzando las cátedras de Valencia, Barcelona y, finalmente, Madrid, donde llegó en 1892. Su teoría de la neurona como célula independiente cuya actividad se transmite por conexión entre ellas encauzó definitivamente el mundo de la investigación del sistema nervioso y no son pocos los centros punteros que a día de hoy inician a sus selectos estudiantes con los textos de Cajal, muestra capital de la pervivencia del legado del médico e histólogo español, paradigma del hombre sabio.

Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 JUAN FRANCISCO GARCÍA MUÑOZ. EL TENOR DE LOS REYES.             Juan Francisco García Muñoz nació en Sarrión el 8 de marzo de 1896, unos meses más tarde, el 27 de julio de ese mismo año, moría en Madrid el otro gran tenor turolense, Andrés Marín. Ausencia que algún tiempo después habría de suplir en los escenarios el sarrionense. RESUMEN EN EL HERALDO 21-04-2011 Ver también UN TENOR EN LA CORTE DE ALFONSO XIII             Su intuición musical la heredó de su padre que, aunque ciego, dirigía una rondalla y tocaba el órgano en su pueblo. Por su parte, su madre le transmitió una voz modulada que pronto comenzó a educar en el canto de la jota, así como también una sensibilidad muy especial para la interpretación.             A los once años, ayudado por su tío Elías García, a la sazón párroco de Valbona, se trasladó a Barcelona para estudiar en los Salesianos, donde complementó su formación cultural ordinaria con estudios de música, guitarra y piano. La difícil situación económica de su familia no le permitió continuar con sus estudios de música, por lo que se colocó como tipógrafo, al tiempo que cantaba en los coros de las zarzuelas que se representaban en el Tivoli.             En 1924, animado y ayudado por todos aquellos que vieron en él grandes facultades para el canto (quizá también por los triunfos de Fleta, el inmortal tenor aragonés, en Italia), se trasladó a Milán, “ la Meca del bel canto”, para completar su formación musical. Tras ejercer diversos oficios y estudiar bajo la batuta del maestro Arnaldo Galliera, inició una tan meteórica como exitosa carrera como tenor. Su rotundo triunfo en el Teatro del Casino Municipal de San Remo, con la ópera de Verdi Rigoletto, en febrero de 1925, con más de catorce noches seguidas de representación, le abrió las puertas de importantes escenarios operísticos de diferentes localidades de Italia.             En España su presentación tuvo lugar en la primavera de 1925, en el Teatro Tívoli de Barcelona, interpretando al protagonista de la ópera Manón, acompañado por la gran soprano francesa Genoveva Vix.             Tras su éxito en la ciudad Condal, parte hacia Egipto con la compañía de Pietro Mascagni, donde  tras triunfar en El Cairo y Port Said, fue abandonado en extrañas circunstancias, protagonizando un curioso episodio con conflicto diplomático incluido con los aviadores españoles, Esteve, Loriga y Gallarza, que en esos momentos se encontraban realizando la gesta de cubrir la distancia entre Madrid y Manila  y habían hecho escala en El Cairo.             De vuelta en España, retomó su carrera artística y para ello marcha de nuevo a Italia para continuar con su formación como cantante y seguir ampliando su repertorio operístico. Allí regresó a los escenarios y cantó junto a la gran diva Toti Dal Monte, en  los teatros más emblemáticos del país, como por ejemplo en el de La Fenice, de Venecia.             En 1927 debutó en Madrid en el teatro de la Zarzuela con El barbero de Sevilla, acompañando a la mejor mezzosoprano de la época, Conchita Supervía. En el aria del primer acto se acompañaba él mismo a la guitarra y siempre el público le reclamaba uno o varios bises de la misma (desde pequeño tocaba magníficamente la guitarra).             Su carácter sencillo y bondadoso le llevó a compaginar escenarios, desde los más elevados hasta los más humildes. Así, tan pronto cantaba en el Palacio Real en la cena de los Embajadores ante Alfonso XIII y Victoria Eugenia (lo hizo en múltiples ocasiones, por eso se le denominó como “el tenor de los Reyes), que interpretaba unos motetes en la Real Capilla el día en que tomó la birreta el cardenal de Toledo, cantaba el Himno de la Exposición Universal de Sevilla, actuaba ante más de 16.000 espectadores en la Plaza del Pueblo Español de Barcelona o se emocionaba ante los heridos de la guerra contra Marruecos en el Hospital de Carabanchel, a los que entregaba lo mejor de sí mismo con intervenciones más populares, en especial jotas, de las que fue un interprete muy especial, un verdadero maestro.             Los días 4 y 5 de mayo de 1929, convertido ya en un verdadero divo y en loor de multitudes, bajo la dirección del maestro Arturo Saco del Valle, se presentó en el teatro Marín de Teruel con Manon y El barbero de Sevilla, en sendas funciones a beneficio de los niños tuberculosos de Sarrión y Teruel. El lleno fue total y el éxito absoluto.             Hacia principios de los años treinta ya casi no se representa ópera en España, por lo que se dedicó sobre todo a la zarzuela, género en el que también alcanzó interpretaciones memorables, estrenando algunas de las más importantes del momento, es el caso de La moza vieja, del maestro Luna, Romero y Fernández Shaw, en cuyo estreno, en 1931, en el teatro Calderón, estuvo flanqueado por Celica Pérez Carpio, Flora Pereira y Aníbal Vela, o El ama, de Luis Fernández Ardavín y Jacinto Guerrero. Aunque quizá la zarzuela con la que más éxitos obtuvo fue con La Picarona, de Francisco Alonso.               Cansado de las representaciones diarias que exigía el mundo de la zarzuela, se orientó hacia los conciertos (en plazas de toros y teatros de las principales capitales españolas) en los que interpretaba un variado repertorio de romanzas de ópera, fragmentos de zarzuelas, canciones italianas y españolas (algunas de las cuales eran escritas por él mismo, pues siempre fue un inspirado letrista) o jotas, con las que siempre cerraba sus actuaciones y regalaba al público con generosidad. En esos conciertos le acompañaba un pianista joven, Juan Quintero, al que había contratado para actuar en una ocasión en Zaragoza. El trabajo en común fue tejiendo una profunda amistad y una colaboración artística importante que alcanzó un éxito sin precedentes en su momento con la popular canción “Morucha”, escrita por Juan García y música de su amigo.             En 1934 decidió formar una pequeña orquesta, integrada por doce profesores, para que le acompañaran en sus canciones. Así nació la agrupación “Juan García y su orquesta”, con la que recorrió España y Portugal.             En 1935 inició una corta carrera cinematográfica de la mano de los destacados realizadores Edgar Neville y Benito Perojo, con los que grabó varios cortos y compuso algunas piezas musicales para sus películas.               A comienzos de 1936, su espectáculo fue contratado por Radio Belgrano, de Buenos Aires, hacia donde embarcó. Nunca más volvió a pisar la tierra de España. Pero su patria siempre le acompañaba allá donde fuese, de manera que en todas sus actuaciones cantaba unas jotas, en especial títulos de fuerte sabor popular como la “Sarrionera”, “La regoldevera”, “No te subas a la parra”, “Despacico y callandico” o “La fematera”, de la que por cierto llegó a vender más de 500.000 copias de su grabación, un verdadero éxito para su época.             Pese a dejar más de doscientas grabaciones, falleció en el olvido en la capital argentina el 14 de agosto de 1969 de un infarto. Fuente: Unión Musical de Carrión

JIMMY CLIFF - follow my mind 1975, No Woman, No Cry / solida rara 1ª EDIC org USA, impecable JIMMY CLIFF - follow my mind 1975, No Woman, No Cry / solida rara 1ª EDIC org USA, impecable todos su primeros albunes son hermosos y llenos de bellos temas, siempre complicados de conseguir.. maravilloso albun de un fenomeno de la musica que a compuesto temas impagables como algunos de los que encierran este albun, temas como su version del clasico de su compañero bob marley No Woman, No Cry.... !!! gruesa carpeta para esta preciosa 1ª edic org usa, todo en estado practicaente impecable !! JIMMY CLIFF Follow My Mind 1975 (LP de vinilo de 12 pistas edicon EE. UU. Con las interpretaciones de Mr Cliff de No Woman, No Cry y Dear Mother de Joe Higg de Robert Marley junto con sus propias composiciones Look At The Mountains y GonnaLove. Si Bob Marley fue el gran mesías del reggae en el mundo, Jimmy Cliff fue su primer profeta, abriendo caminos nuevos, a finales de los años sesenta, a la música jamaicana. Cliff, con su voz y su rostro (también ha sido actor), sacó al reggae del aislamiento y tendió puentes hacia nuevas culturas musicales. Con frecuencia ha sido criticado por ello, pero él ha seguido siempre su camino. Jimmy Cliff nació en agosto de 1944 en St. Catherine (Jamaica), y su verdadero nombre es James Chambers. Desde pequeño demostró poseer una bella voz, y no le resultó difícil encontrar productores que pusieran a su disposición un estudio de grabación y un puñado de canciones dulces y pegadizas. A mitad de los años sesenta Cliff ya podía jactarse de tener mucho éxito tanto en su patria como en el extranjero como cantante del conjunto Dragonaires, convirtiéndose, después de Belafonte, en el cantante jamaicano más importante del mundo. Descubierto por Chris Blackwell, fundador de Island Records y más tarde valedor de Bob Marley, Cliff llegó puntualmente al éxito con canciones como 'Wild world' (de Cat Stevens), 'Vietman' y 'Many rivers to cross'. A1        Look At The Mountains    3:14 A2        The News    3:20 A3        I'm Gonna Live, I'm Gonna Love    3:25 A4        Going Mad    3:10 A5        Dear Mother    3:30 A6        Who Feels It, Knows It    3:43 B1        Remake The World    3:40 B2        No Woman, No Cry    3:49 B3        Wahjahka Man    3:31 B4        Hypocrites    4:38 B5        If I Follow My Mind    2:43 B6        You're The Only One    4:35

the baker gurvitz army 74, ginger baker, hard rock !! rare 1º lp, cream, gun, edt usa, exc the baker gurvitz army 74, ginger baker, hard rock !! rare 1º lp, cream, gun, edt usa, exc todo un supergrupo, 1º gran album..!! ginger baker ex-cream y ex-gun..juntos....maravillosas guitarras...+Madeline Bell..etc..EXQUISTA BANDA BRITANICA QUE MEZCLA MAGISTRALMENTE LOS SONIDOS HARD ROCK, progresivos y blues.. obra maestra para todos los que adoramos los discos llmados perdidos y al desconocidos de los 70, y por supuesto el buen gard rock y si esta gibger bake de los cream con su bateria y su modo incunfundible de darle a las baqueteas..que puede fallar... Si nos presionan para obtener una lista de los mejores guitarristas de los 70, pocos de nosotros encontraríamos a “Adrian Gurvitz” listo en los labios, en gran parte, según parece, debido a la subexposición en bandas como esta. De hecho, es un guitarrista de rock inteligente y conciso, un vocalista más que útil y un compositor de gran mérito. Help Me, Inside of Me y Since Beginning (en sí mismo un digno ciudadano de Yes 'Topographic Oceans) son tan buenos como cualquier cosa que produjo el movimiento progresivo de mediados de los setenta (con la salvedad de que muchas bandas progresivas se estaban moviendo hacia el rock melódico y corto en ese momento). La mayor parte de las creaciones de Baker fueron mejores de lo que se les atribuía, y aunque el tiempo se ha olvidado del ejército de Baker Gurvitz, no es necesario seguir servilmente el tiempo y sus formas de acicalarse mientras corteja al inconstante presente. En cambio, vaya atrás del tiempo y extraiga este del pasado; Vale la pena el esfuerzo, especialmente si alguna vez te has encontrado elevando el estándar caído de Uriah Heep o Rainbow en una conversación. De interés: 4 Phil está dedicado a Phil Seamen, mentor de Baker, quien falleció en 1972. BAKER GURVITZ ARMY fue una banda de rock progresivo pesado formada en 1974 en Inglaterra. La banda fue la combinación de miembros de THE GUN y THREE MAN ARMY, con el ex-baterista de CREAM Ginger BAKER, el guitarrista y vocalista Adrian GURVITZ, y el bajista Paul GURVITZ formaron la alineación de la banda. La banda lanzó su primer álbum homónimo en 1974, Su álbum debut homónimo presentaba una mezcla de hard rock con la percusión de Ginger Baker. El largo 'Mad Jack' fue la pista sobresaliente de ese álbum, y el álbum llegó a la lista US Billboard 200 y alcanzó el puesto 22 en la lista de álbumes del Reino Unido. Cuando Cream se separó en 1968, Ginger Baker fue invitada a unirse a Blind Faith, que se formó al año siguiente. Esta no fue una empresa tan exitosa y, tras su desaparición, Baker armó su propio equipo, Ginger Baker's Air Force, en 1970. Los hermanos Paul y Adrian Gurvitz, ex miembros de The Gun y Three Man Army, buscaban un nuevo camino a seguir después de los primeros éxitos, por lo que unieron fuerzas con Baker en 1974. En su primer año grabaron un álbum en vivo y otro en estudio, seguido de dos más álbumes de estudio, Elysian Encounter y Hearts On Fire. Sin embargo, la muerte de su manager llevó a la ruptura de la banda en 1976. "Help Me" (Adrian Gurvitz) – 4:34 "Love Is" (Gurvitz) – 2:47 "Memory Lane" (Ginger Baker, Gurvitz) – 4:46 "Inside of Me" (Gurvitz) – 5:33 "I Wanna Live Again" (Baker, Gurvitz) – 4:22 "Mad Jack" (Baker, Gurvitz) – 7:54 "4 Phil" (Baker, Gurvitz) – 4:25 "Since Beginning" (Gurvitz) – 8:05 Personnel Ginger Baker – composer, drums, percussion, producer, vibraphone, vocals Madeline Bell – vocals Cyrano – engineer Martyn Ford – orchestration Adrian Gurvitz – composer, guitar, producer, vocals Paul Gurvitz – bass guitar, producer, vocals Rosetta Hightower – vocals Ulf Marquardt - Liner Notes Anton Matthews – Mixing Engineer John Mitchell – keyboards, backing vocals Barry St. John – vocals Liza Strike – vocals Mixed at Trident Studios and Island Studios

RIVER CITY PEOPLE - THIS IS THE WORLD - VINILO ORIGINAL 1991 PRIMEA EDICION EMI RIVER CITY PEOPLE - THIS IS THE WORLD - VINILO ORIGINAL 1991 PRIMEA EDICION EMI River City People fue un grupo de folk-rock de vida y éxito efímeros. Con sus dos estupendos albumes, sonaron bastante en las emisoras del Reino Unido y otros países (España, entre ellos), y llegaron a actuar en varias ciudades europeas. Pero lo que condenó a la banda de Liverpool fue, probablemente, que llegaron tarde a la fiesta. La segunda mitad de los 80 fue un momento dulce para el pop-rock inglés e irlandés, que consolidó a grupos como U2, Simple Minds, Dire Straits o Simply Red. Pero los RCP se subieron al carro en 1989, cuando el movimiento languidecía, y a pocos meses de la explosión, al otro lado del Atlántico, del fenómeno grunge. La banda aguantó como pudo el desinterés por el folk-rock, y aunque llegó a lanzar en 1991 un segundo gran LP, acabó deshaciéndose pocos meses después. El primer disco es una maravilla y este   THIS IS THE WORLD esta muy bien. Tracklist: 01. River City People - Standing In The Need Of Love [3:30] 02. River City People - Special Way [3:14] 03. River City People - Act Like A Child [3:46] 04. River City People - Hurt You [3:57] 05. River City People - Driver [3:24] 06. River City People - Move A Mountain [4:41] 07. River City People - Mile High Cafe [4:31] 08. River City People - True Stories From The Revolution [3:42] 09. River City People - The Sea [3:40] 10. River City People - High Tide [3:28] 11. River City People - This Is The World [4:57] River City People were a folk rock quartet formed in Liverpool, England in 1986, by vocalist Siobhan Maher, guitarist Tim Speed, his drummer brother Paul Speed, and bassist Dave Snell. Siobhan, Tim and Dave had both been with Liverpool Band "Peep Show" until summer 1987 - at one point both bands co-existed. The group appeared on Channel 4's The Chart Show and soon afterward signed with EMI, releasing their debut single "(What's Wrong With) Dreaming?" in mid 1989. Their album Say Something Good followed a few months later, recorded in Los Angeles and produced by legendary producer Don Gehman. In the summer of 1990, the band scored their biggest hit with a cover of The Mamas & the Papas' "California Dreamin'". This was a double A-side with "Carry the Blame". " This is the World " followed in late 1991, but the group disbanded shortly after. Maher then teamed with ex-Bangle Debbi Peterson in the duo Kindred Spirit, releasing a self-titled 1995 album on Capitol Records. She released a solo album in 2002 called Immigrant Flower.